..... COMENTARIOS CINEMATOGRAFICOS .....

Las Aventuras de TinTín: El Secreto del Unicornio

2012-01-26T10:26:00.000-08:00

Durante aquéllos queridos años 70's en los cuales quien escribe estas líneas transitaba su niñez, supo haber un personaje creado por un genial autor de origen belga que fascinaba y encantaba con sus aventuras, publicadas en formato de tira a lo largo de dos páginas del legendario semanario infantil Billiken. El artista nacido en Bélgica se llamaba Georges Remi, aunque era más conocido por su seudónimo Hergé. Y el personaje en cuestión era un joven reportero de divertido aspecto que respondía al nombre (o apellido?) de TinTín.

Pasaron muchos años desde su primera aparición en 1929, y TinTín se transformó en objeto de culto de cientos de miles de personas a lo largo del orbe. Algo de ello debe haberle interesado mucho a los productores / directores Steven Spielberg y Peter Jackson (Necesitan sus pergaminos para ubicarlos...? Sin dudas que no!) para dar forma a esta versión animada ultramoderna de aquél peculiar, sagaz y pintoresco reportero, junto a su nutrida galería de personajes colegas.

Desde el punto de vista visual, "Las Aventuras de TinTín: El Secreto del Unicornio" (primera entrega de una trilogía) roza la perfección. Increíble animación tan humanizada, que por momentos cuesta discernir si algunos personajes son seres humanos reales o simples dibujos. Es impresionante el avance de las técnicas en este punto, de modo que por ese lado sólo resta calificar como "brillante" al film.

La trama argumental muestra a TinTín y su perro Milú enredados en la búsqueda de un tesoro escondido por un antepasado de su amigo y compañero el Capitán Haddock, cuya ubicación reza en tres papiros diferentes, ocultos en modelos en miniatura del barco conocido como "Unicorn". El malvado coleccionista Sakharine secuestra a TinTín y a Milú tratando de dar con el paradero de los documentos que lo lleven al tesoro. Todos embarcan con destino a Marruecos, en una nave que era capitaneada por Haddock, antes de caer en manos de Sakharine, víctima de su afición al alcohol.

De más está contarles que TinTín y Haddock se amotinarán contra los delincuentes bajo el mando de Sakharine, y en sus momentos de lucidez -que no son demasiados- Haddock irá contándole a TinTín la historia de su ancestro Sir Francis Haddock, y de cómo decidió ocultar el tesoro para ponerlo fuera de las garras de otro antepasado, pero en este caso del malvado Mr. Sakharine.

La acción se desarrolla intensamente, en numerosos pasajes de la película, en muchos casos vertiginosa. Muy vertiginosa, deberíamos decir. Al mejor estilo de las andanzas del viejo Indiana Jones ochentero. Igualmente no todo en el filme es velocidad, hay varios tramos calmos, que en tren de buscarle defectos, podríamos tildar de lentos y hasta quizás un poquito tediosos. Pero realmente son solamente detalles, aspectos del film que no alcanzan a empañar el balance final.

El punto más negativo de "Las Aventuras de TinTín" fue que nos tocó ver en el cine una copia doblada al castellano. Y realmente ese detalle es nefasto, espantoso. Siempre hemos sido mortales enemigos de estos avergonzantes e invasivos doblajes, y en este caso, nos ha servido para cimentar más aún nuestro parecer. Hay muchos pasajes del film en los cuales, lo que los personajes dicen directamente no se entiende. O nosotros estamos sordos o defectuosos los parlantes de nuestro cine, tal vez. Pero les aseguramos que en los diálogos en voz baja -o peor aún, en los susurrados- fue imposible conectarse con los parlamentos. Le pasó a quien escribe, y consultados otros espectadores, la respuesta fue la misma. Y este detalle desvaloriza el producto, al menos por estas latitudes.

No obstante lo descripto en el párrafo anterior, "Las Aventuras de TinTín" es una joya de la animación moderna, repleta de gags y guiños interesantes, que atraerán mucho más a los viejos seguidores de la historieta, que a las nuevas generaciones. De ningún modo nos parece una obra destinada con exclusividad a niños; e incluso creemos que los adultos pueden llegar a disfrutar tanto o más que ellos. El trabajo de dirección realizado por Steven Spielberg es el único que se puede esperar de tamaño peso pesado del cine mundial: impecable. Lo cual redondea un fenomenal entretenimiento, una auténtica gema de la tecnología cinematográfica del siglo XXI...

Título: "Las Aventuras de TinTín: El Secreto del Unicornio"
Año: 2011
Origen: Estados Unidos / Nueva Zelandia
Director: Steven Spielberg
Duración: 107 minutos
Calificación: ☻☻☻☻☻☻☻

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Centurión

2012-01-06T11:51:00.000-08:00

"Centurión" es una producción anglo francesa que se inscribe dentro del género épico, aunque sin la gran prensa ni posibilidades comerciales de otras obras similares como "Cruzada" o "Rey Arturo", por nombrar sólo un par. Menores recursos y también menor presupuesto que aquéllas, como así también, interpretación a cargo de actores de menor relieve, provenientes de distintos países europeos. Una multinacional actoral, se podría decir.

El guión nos muestra a un valiente legionario romano, Quintus Dias (rol jugado por el alemán Michael Fassbender, también partícipe de "300"), como el único sobreviviente después de un asalto a modo de guerrilla llevado a cabo por una tribu picta contra un fuerte romano en Bretaña, en pleno año 117 D.C.. Capturado por los enemigos pictos, el soldado logra escapar siendo auxiliado en su huída por varios romanos que sirven a las órdenes del General Titus Virilus (el actor británico Dominic West). Quintus Dias se une al ejército de Virilus, conocido como la Novena Legión. La misión que intentarán llevar a cabo consiste en dar caza y exterminar al líder picto, Gorlacon (el danés Urlich Tomsen).

Un personaje fundamental en la trama es el de Etain, a cargo de la belleza ucraniana Olga Kurylenko (a quien vimos en "007: Quantum of Solace"). Etain es una sagaz rastreadora muda, que conducirá a los legionarios en la búsqueda de Gorlacon. Y siguiendo con nuestra política de no revelar detalles fundamentales de los films que comentamos (los cuales puedan afectar el factor sorpresa que tanto deleite les causa a los espectadores), nada diremos acerca del porqué pasa a ser tan fundamental la susodicha Etain en el guión de "Centurión". Sí diremos que lo que sigue nos trae una buena medida de violencia, combates y sangre, aunque tampoco en cantidades abusivas.

Arreglándose con lo que tiene, el director (y escritor) Neil Marshall (el cual posee tan sólo cuatro largometrajes en su haber, y dos de ellos muy reconocibles: "El Descenso" y "Doomsday - El Día del Juicio") se las ingenia para entregar un producto ágil, llevadero y entretenido. Es bastante lograda la fotografía, con acciones que se desarrollan a través de helados paisajes boscosos. Los efectos visuales donde aparece la sangre (o sea, en medio de los combates) mantienen el estilo caricaturesco que pudimos apreciar en "300".

Respecto a las labores actorales, es bastante convincente el trabajo de Michael Fassbender en la piel de Quintus Dias. Y la ucraniana Kurylenko le otorga una helada fiereza a Etain, la principal figura femenina. Se percibe su poder a través de su hermética mirada. Atrapante.

"Centurión" se revela como una buena muestra de cine épico / bélico, que cumple sobradamente con su misión de entretener. Recurriendo a un simple juego de palabras: se trata de un correcto filme que cuenta un capítulo de la historia universal, pero que tampoco logrará escribir un párrafo inolvidable en la otra historia, la del cine.

Título: "Centurión"
Año: 2010
Origen: Reino Unido / Francia
Director: Neil Marshall
Principales intérpretes: Michael Fassbender, Olga Kurylenko y Dave Legeno
Duración: 97 minutos
Calificación: ☻☻☻☻☻☻☻

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

El Mundo Mágico de Terabithia

2012-01-05T10:29:00.000-08:00

"El Mundo Mágico de Terabithia" ("Bridge to Terabithia", en el original) es un film producido y creado por los Estudios Walt Disney. Si comenzamos por ese detalle, y le sumamos la hermosa imagen del póster oficial de la película, podemos imaginarnos un tipo de cine con el cual no nos encontraremos a medida que avanza el metraje. No, sin dudas "El Mundo Mágico de Terabithia" se diferencia de las típicas producciones Disney, veamos el porqué.

La historia comienza mostrándonos a un jovencito llamado Jess (interpretado por Josh Hutcherson, quien supo tener participaciones en "El Expreso Polar" y "Viaje al Centro de la Tierra", entre otras) de carácter solitario e introvertido, quien tiene serias dificultades de integración en el colegio al cual concurre. La familia de Jess, compuesta por sus padres (con quienes también mantiene una distante y fría relación) y tres hermanas (solamente la más pequeña de las mismas, llamada May Belle -encarnada por una excelente y muy expresiva actriz que contaba con apenas siete años al momento de esta filmación, llamada Bailee Madison- se siente feliz estando en compañía de Jess) viven en una casa campestre alejada de la ciudad, lo cual tampoco ayuda a que el taciturno Jess tenga demasiados amigos.

Un buen día se produce el arribo al colegio de Leslie (la muy bonita AnnaSophia Robb, a quien viéramos en "Charlie y la Fábrica de Chocolate"), una jovencita de aspecto entre irreverente y divertido, con un carácter muy diferente al de Jess, alegre y simpática. Ambos descubrirán prontamente que tienen dos cosas en común: son muy veloces en las carreras escolares de atletismo, y los dos sufren el rechazo y la hostigación de algunos de sus compañeros. Sumado al hecho de que son vecinos en la zona rural, pronto darán forma a una fuerte amistad, con muestras de recíproco cariño.

Como una manera de aislarse de la gente y de las actitudes que los mortifican, el joven dueto concebirá en sus mentes un mundo imaginario en medio de la foresta, llamado Terabithia, del cual pasan a formar parte cada vez que cruzan un angosto riachuelo ayudándose por una cuerda. Hasta allí llegan las similitudes con el estilo nato de las producciones Disney, mezcla de realidad y fantasía.

Pero la realidad avasallará a la fantasía durante la segunda mitad de la película, merced a un hecho determinante que cambiará la vida de los personajes y el rumbo de los acontecimientos. No nos detendremos a contarlo para que aquellos que no vieron el film, puedan disfrutarlo mejor si así deciden hacerlo. Tan sólo diremos que a partir de lo que ocurre en ese quiebre de la trama, "El Mundo Mágico de Terabithia" pasa a ser una obra más dura y menos candorosa que la mayoría de sus congéneres pergeñadas bajo la tutela de los famosos estudios hollywoodenses.

Sin ser ninguna maravilla, "El Mundo Mágico de Terabithia" es una película interesante y entretenida, aunque las buenas intenciones terminan diluyéndose al no quedar del todo claro cuál fue la idea principal al momento de su filmación: no es la clásica producción ambientada en un mundo de ensueño para niños, ni tampoco parece que pueda llegar a ser muy del gusto del público adolescente.
Los efectos especiales nunca pasan de discretos, y la dirección a cargo del húngaro Gabor Csupo (fue su ópera prima) tampoco avanza más allá de lo regular.

Los dos puntos más altos son las actuaciones de las jovencitas AnnaSophia Robb, luminosa y locuaz en su rol de Leslie Burke; y de quien se roba todas las palmas y simpatías, la pequeña Bailee Madison, terriblemente expresiva, a quien el calificativo de "adorable" le sienta perfectamente.

Recomendable sólo a medias, como para alguna noche donde no haya demasiadas opciones para ver, "El Mundo Mágico de Terabithia" puede tranquilamente esperar su momento. Seguramente no les desagradará a quienes la vean, pero tampoco la recordarán durante demasiado tiempo.

Título: "El Mundo Mágico de Terabithia" ("Bridge to Terabithia")
Año: 2007
Origen: Estados Unidos
Director: Gabor Csupo
Principales intérpretes: Josh Hutcherson, AnnaSophia Robb y Zooey Deschanel
Duración: 96 minutos
Calificación: ☻☻☻☻☻☻

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Perras Furiosas

2011-12-29T13:16:00.000-08:00

No era mucho lo que podía esperarse de un film con este nombre, verdad? Solamente algo de violencia, quizás un poco de morbo, y bastante aroma a Clase B... o quizás debamos decir Clase C.
Esta realización del director Rick Jacobson lleva por título original "Bitch Slap", lo cual adecuadamente traducido podría llegar a significar "Cachetazo de Puta", o algo similar... "Perras Furiosas" es un nombre tan malo como ése, en todo caso.

Podríamos deducir que al mencionado Jacobson (con mayoritaria experiencia en series de TV, como por ejemplo "Cleopatra 2525", "Xena" o "Spartacus") le gusta el cine de Quentin Tarantino o de Robert Rodríguez, dado el estilo que parece querer seguir esta película. Violencia semi desenfrenada, personajes al borde de un ataque de nervios, abundantes escenas graciosas (error, debemos decir "que pretenden ser graciosas"), desdoblamiento de escenas al unísono en pantalla, actores y actrices un tanto bizarros... Lo que sin dudas Jacobson no logra absorver de Tarantino o de Rodríguez es la calidad, ni tampoco la imaginación.

La trama nos muestra a dos rudas mujeres, Hel (Erin Cummings, cuya participación más saliente fue en la misma serie televisiva "Spartacus") y Camero (América Olivo, a quien vimos en la remake de 2009 de "Viernes 13") en travesía por el desierto buscando un botín enterrado por un truhán del submundo del delito llamado Gage (Michael Hurst), valuado en aparentes U$S 200.000.000 en diamantes. Junto a ellas viaja una ingenua -o al menos pensamos que lo es, ya se darán cuenta porqué lo decimos- stripper llamada Trixie (personaje encarnado por la exhuberante canadiense Julia Voth, con alguna que otra participación en otras series de televisión: "Sobrenatural" o "Castle"; éste es su primer protagónico cinematográfico).

Hel y Camero son exageradas y bastante poco creíbles mujeres de acción, en especial esta última, que nos demuestra qué tan irritante puede ser una flojísima actriz (América Olivo), quien no logra disimular ese fundamental detalle pese a mostrar gran parte de su transpirada anatomía en escena, casi todo el tiempo, mientras consume sustancias y revolea insistentemente sus ojos... (?). Lo de Erin Cummings tampoco es destacable en lo más mínimo, aunque al menos no molesta tanto como Olivo.

El intento de transformar "Perras Furiosas" en un mix entre "Kill Bill" y "Sin City" fracasa totalmente, quedándose a mitad de camino de todo, y seguramente provocando algún escozor en Quentin Tarantino y/o en Frank Miller, si es que alguien les dijo que vieran este filme alguna vez. El recurso de insertar pasajes anteriores en el tiempo entre las escenas actuales, tampoco juega a favor de la película, y por pecar de repetitivo se torna finalmente en tedioso.

Escasos medios técnicos (algunas escenas creadas por computadora son francamente risibles; por ejemplo el efecto del auto incendiándose en el inicio del film), pocos recursos, ninguna originalidad, pobres actuaciones... demasiados puntos en contra debe sobrellevar "Perras Furiosas" como para salir airosa.

Tal vez los únicos ítems que se pueden anotar del lado del haber son que la película no es monótona sino bastante ágil y llevadera, la mayor parte del tiempo. Que nos pareció interesante la vuelta de tuerca del final, como para evitar el naufragio absoluto... Y, quizás, siendo generosos, se puede encontrar algún atractivo al personaje de Trixie, encarnado por la muy bonita Julia Voth, quien como actriz seguramente no ganará ningún Oscar, pero al menos logra otorgarle carisma a su rol. Demasiado poco para destacar a la hora de los bifes...

Título: "Perras Furiosas" ("Bitch Slap")
Año: 2009
Origen: Estados Unidos
Director: Rick Jacobson
Principales intérpretes: Julia Voth, Erin Cummings y América Olivo
Duración: 109 minutos
Calificación: ☻☻☻☻

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

El Quimérico Inquilino (1976)

2011-11-18T12:43:00.000-08:00

Terriblemente sórdido -aunque no exento de una pizca de humor ácido- film francés dirigido por el polémico actor, director y escritor franco-polaco Roman Polanski (nacido Rajmund Liebling) durante el año 1976. Polanski, uno de los más afamados y controversiales cineastas de todos los tiempos, participó de esta "El Quimérico Inquilino" en los mencionados tres roles, dejando bien marcado su sello en esta impresionante obra.

La acción se desarrolla en París, donde un tímido individuo apellidado Trelkovsky (obviamente, Polanski) pugna por alquilar un lúgubre departamento, que forma parte de un no menos sórdido edificio propiedad de un anciano llamado Señor Zy, rol jugado por el extinto actor americano Melvyn Douglas. La principal característica del lugar es que su anterior inquilina se lanzó al vacío por la ventana, quedando muy lastimada e internada, debido a sus graves heridas, en un hospital.

Firmemente decidido a rentar el apartamento, Trelkovsky se dirige a visitar a la infortunada mujer al nosocomio, para averiguar en qué estado se halla. Allí se topará con una amiga de ésta, Stella (rol interpretado por la fascinante actriz parisina Isabelle Adjani - "Nosferatu", "Verano Caliente", "La Pasión de Camille Claudel", "Diabólique", entre otras), con la cual entablará una amistad y posteriormente una relación muy espaciada e informal.

Finalmente la desdichada ex inquilina fallece, por lo cual Trelkovsky logra acceder al departamento. Una vez en el edificio, recibirá todo tipo de advertencias de parte del propietario, especialmente referidas al trato con sus vecinos, los cuales no desean ser perturbados por ruidos molestos. Pese a su bajísimo perfil, Trelkovsky no logrará esquivar los reclamos y la ira de los otros moradores, especialmente luego de una animada reunión festiva junto a sus amigos en el apartamento.

La atmósfera de la película comenzará a enrarecerse, a medida que Trelkovsky comienza a obsesionarse; primero, con tratar de agradar y no molestar a sus recelosos co-inquilinos; y luego, al empezar a creer que es víctima de una perversa conspiración de los mismos.

Mencionábamos en el anterior párrafo la palabra "atmósfera". Pues bien, ésa es la clave de la película: el entorno del film es tan agobiante y siniestro, que va atrapando y sumergiendo al espectador en la conflictiva personalidad de Trelkovsky, imbuyéndose en el extraño comportamiento del personaje a través de las noches en su habitación, o recorriendo los oscuros y perturbadores pasillos de la antigua residencia. Todo es depresivo en "El Quimérico Inquilino", especialmente si nos referimos a la segunda mitad del desarrollo.

Polanski es un director fenomenal. Esta es, seguramente, una de sus obras más inquietantes y mejor logradas. La fotografía, el desenvolvimiento de la trama, y las imágenes que se suceden hacia el final del film, son simplemente brillantes. Y como actor, si bien no nos gusta tanto como en su rol de director, también logra dotar a su Trelkovsky de esa aura de pequeñez, introversión y atormentamiento que lleva consigo.

El resto del elenco está muy a la altura del film, siendo Isabelle Adjani quien se lleva -como en todas las películas en las que interviene- las mayores miradas y aplausos. El aura único que acompaña a la francesa sólo puede ser comparado con el de alguna otra actriz europea de culto, como es el caso de la holandesa Maruschka Detmers. Increíble Adjani, lástima que no toda su filmografía (unos cuarenta títulos) sea posible de conseguir en Argentina.

Para resumir, "El Quimérico Inquilino" no es -bajo ningún punto de vista- un film de sencilla visión. Puede que llegue a no gustar ni siquiera a los fanáticos del cine de suspenso o terror, pero es sin dudas un exquisito thriller psicológico de altísima escuela, de visión casi obligatoria para aquellos que no se conformen con ver cine solamente para entretenerse. Excepcional, por donde se lo mire.

Título: "El Quimérico Inquilino" ("Le Locataire")
Año: 1976
Origen: Francia
Director: Roman Polanski
Principales intérpretes: Roman Polanski, Isabelle Adjani y Melvyn Douglas
Duración: 126 minutos
Calificación: ☻☻☻☻☻☻☻☻☻

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Gigantes de Acero

2011-11-17T11:36:00.000-08:00

Imposible negar que la primera impresión que me llevé de este filme, meses atrás al ver sus avances, no fue la mejor. Por un lado, pensé que era un producto destinado exclusivamente a los niños o pre-adolescentes, y por otro, que estos productores yanquis ya no saben qué inventar: robots boxeadores...?? "Qué idea tan traída de los pelos!!", fue lo que me pasó por la cabeza instantáneamente. Y por supuesto, muy pocas fueron mis intenciones en aquél momento de ver esto, salvo quizás algún día en algún DVD alquilado o prestado.

Pero hete aquí que finalmente me han convencido de ir al viejo Cine Español de nuestra ciudad de Chivilcoy a ver esta obra del director canadiense Shawn Levy, conocido por haber dirigido "Una Noche en el Museo" y su posterior secuela. Y vaya gratísima experiencia que ha resultado! "Gigantes de Acero" ("Real Steel" en el original) es un muy buen producto, un enorme entretenimiento cinematográfico, excelentemente filmado y muy bien actuado por la pareja central que componen padre e hijo, Charlie y Max Kenton, personajes encarnados por el australiano Hugh Jackman -a quien vimos en la saga "X-Men", en la grandiosa "Van Helsing" o en "El Truco Final"- y por el pequeño actor canadiense de doce años, Dakota Goyo.

La acción se desarrolla en un futuro cercano, en el cual han pasado a ser moneda corriente los combates entre robots manejados por humanos, peleas en las cuales se apuesta mucho dinero, y que han pasado a ser un enorme negocio para quienes saben aprovecharlo. Charlie Kenton es un buscavidas que vive estrictamente el hoy, dejando a su paso un tendal de deudas de juego. Charlie ha estado en el negocio de las peleas de robots desde que dejó la actividad del boxeo, donde supo destacarse años antes, aunque sin llegar a ser un gran campeón.

Charlie viene cuesta abajo en su economía, y sus robots son vencidos y destruídos en las contiendas, hasta que se entera que una ex pareja suya con la cual tuvo un hijo (Max) ha fallecido; y que debe presentarse a una audiencia para firmar los documentos en los que cede los derechos de tenencia del niño a su ex cuñada. Charlie ve la oportunidad de sacarle dinero al esposo de su ex cuñada para firmar dichos papeles, pero igualmente deberá pasar un corto período de tiempo en compañía del pequeño Max, ante un viaje previamente programado que los futuros tutores deben hacer.

En un primer momento, la relación padre - hijo parece estar muy dañada y muy lejos de recomponerse, pero la pasión del pequeño por los robots y por los combates, lo lleva a interesarse paulatinamente en la personalidad de su padre, y en el submundo en el que éste se halla envuelto. Una noche, buscando partes en desuso para poder armar un nuevo robot, encontrarán por accidente a Atom, un viejo modelo de entrenamiento, semi enterrado en un desarmadero. Pese a la inicial negativa de Charlie, Max se llevará consigo al robot, lo pondrá en condiciones, y pronto descubrirá que Atom posee algo más que las cibernéticas y heladas características de sus congéneres.

De allí en más, Max comenzará a insistirle a Charlie para que ponga a Atom a pelear contra otros robots, al tiempo que va incrementando y humanizando su relación con el hombre de acero. Charlie ve que Atom es viejo y resistente, pero más pequeño que los demás robots de combate, y aunque en un principio se niega terminantemente, pronto descubrirá que Atom -algunas enseñanzas mediante- puede lograr algo mucho más importante que lo que su viejo y deteriorado aspecto hace suponer...

Los efectos visuales de "Gigantes de Acero" son el gran fuerte de la película: los robots interactúan con los actores en brillante perfección de imágenes, desparramando una colorida violencia por momentos no exenta de humor (la escena del combate contra el frankesteniano humanoide de los punks es antológica!). La duración del film (poco más de dos horas) se escurre como agua entre los dedos, claro ejemplo de que el producto es sumamente entretenido y llevadero.

Las actuaciones son también muy sólidas, especialmente la del carismático Jackman, quien le aporta gran credibilidad a su personaje de truhán de poca monta luego conmovido por el amor de y hacia su hijo; y la del jovencísimo Dakota Goyo, el apasionado descubridor del gran Atom. En contrario de lo que se puede imaginar a priori, éste no es un film hueco ni vacío de mensaje, sino todo lo contrario; es más, Atom es un gigante de acero, pero sus guiños de humanismo son permanentes.

Absolutamente recomendable para cualquier clase de público, "Gigantes de Acero" demuestra y justifica el porqué de su gran éxito comercial en las salas. Un grandioso esparcimiento cinematográfico que vale plenamente el rato que se pasa en el cine, y que te hace salir a la calle con una sonrisa en tu cara... :)

Título: "Gigantes de Acero" ("Real Steel")
Año: 2011
Origen: Estados Unidos / India
Director: Shawn Levy
Principales intérpretes: Hugh Jackman, Dakota Goyo y Evangeline Lilly
Duración: 127 minutos
Calificación: ☻☻☻☻☻☻☻☻

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

El Descenso, parte II

2011-10-14T06:16:00.000-07:00

Reza un remanido axioma cinéfilo que "segundas ni terceras partes nunca fueron buenas". Personalmente, opino que tal aseveración se ha visto desestimada en los últimos años por producciones cinematográficas que han igualado, y en varios casos superado, el nivel de sus predecesoras. Y en el caso de ésta secuela de buen cine de terror moderno que es "El Descenso, parte II", si bien no podemos decir que sea mejor que la primera parte (no cuenta ya con el factor sorpresa, lo cual disminuye notablemente sus posibilidades), al menos podemos destacar que se le acerca mucho. Y que se coloca casi en una misma línea de interés.

En esta segunda entrega, fechada en 2009 (la primera se había filmado cuatro años antes), la protagonista Sarah (encarnada por la actriz malasia Shauna MacDonald, partícipe también de la primera parte) se encuentra internada en un centro médico tras haber escapado solitariamente del impresionante sistema de cavernas subterráneas donde se desarrollaron los trágicos hechos descriptos en el primer film. Ensangrentada, herida, y en estado de shock, es interrogada por la policía del lugar, comandada por un tosco oficial apellidado Vaines (el irlandés Gavan O'Herlihy), quien sospecha que Sarah tiene bastante que ver con la desaparición y muerte de sus compañeras.

Los grupos de rescatistas que indagan en la zona, descubrirán un sistema de grutas al cual es posible descender a través de una antigua plataforma con viejas roldanas y poleas en dudoso estado, y en dicha plataforma de descenso retornará Sarah a las profundidades montañosas, acompañada por tres rescatistas, el mencionado Vaines y la oficial Ríos (Krysten Cummings), quien sí considera que Sarah es inocente, y que es en realidad otra víctima que ha salido ilesa por milagro desde las profundas cuevas subterráneas.

Al cabo de un tiempo de arribar a su opresivo destino bajo tierra, el grupo de rescate comprenderá el real peligro que ha significado descender a ese insano lugar; aunque tendrán la oportunidad de encontrar allí abajo a una de las acompañantes de Sarah, a la que se creía otra víctima más de los pesadillescos seres que habitan en tan ominosos parajes...

La acción de esta segunda película está muy bien llevada por el director inglés Jon Harris, cuyo único trabajo en ese rol (hasta la fecha) es éste que nos ocupa. Harris posee una buena experiencia como editor, en varias producciones. Pero pese a su falta de rodaje en el rubro, sale muy bien parado de esta historia. El Descenso II es llevadera, interesante, no aburre nunca, y cumple atinadamente con su misión de poner nervioso al espectador, partícipe involuntario de la intranquilidad que acosa a los protagonistas, sólos a tantos metros de profundidad. Un compendio de los miedos humanos más reales: el temor a la oscuridad, al encierro, a lo desconocido, a no poder escapar. La atmósfera que se crea es ominosa, agobiadora.

Los efectos visuales y la ambientación en la oscuridad de las cavernas subterráneas están bien logrados; siendo que no es tanto lo que se vé, sino más lo que se insinúa. Y casi siempre, lo que se adivina es atemorizante.

Las actuaciones son todo lo convincentes que pueden ser al tratarse de una película de este género; la labor de Shauna MacDonald encarnando a la torturada Sarah es bastante lograda e interesante, aunque lejos estará de recibir algún premio por ella. En resumen, todos los ingredientes de El Descenso II son de aceptables para arriba, por lo cual creemos que agradará a la gran mayoría de los seguidores del cine de terror. Recomendable.

Título: "El Descenso, parte II" ("The Descent, part II")
Año: 2009
Origen: Reino Unido
Director: Jon Harris
Principales intérpretes: Shauna MacDonald, Natalie Mendoza y Gavan O'Herlihy
Duración: 94 minutos
Calificación: ☻☻☻☻☻☻☻

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Balada Triste de Trompeta

2011-10-03T14:37:00.000-07:00

Qué querés que te diga...?
"Balada Triste de Trompeta"
Alex de la Iglesia

Pochoclo salpicado en sangre, para no abandonar la costumbre de la -cuanto menos- intensa producción fílmica de Alex de la Iglesia. Si bien esta última entrega no podría ser definida como un éxito rotundo, vale la pena analizarla. Es que los directores tienden a repetir las fórmulas del éxito (léase: Tarantino jamás podría abandonar los regueros de sangre por los que es famoso. Es como pretender que una peli de Michael Bay no tenga explosiones), y “Balada Triste de Trompeta”, homónima a un hitazo de Il Niño Raphael, tiene todos los elementos claves de las recetas eclesiásticas de Alex.

A saber:
A) Antifascismo que roza lo SKA: la política es ineludible y ciertamente vital en la historia que el director quiere construir. La España rota, esa que murió de la otra España, es el escenario predilecto para de la Iglesia, en el que somete a sus personajes a los vaivenes que la Guerra Civil Española demandaba. Literalmente, en un impecable comienzo que rememoraría a una "Bastardos Sin Gloria" versión eshhhhhpañola, los ejércitos revolucionaros irrumpen en el circo de Santiago Segura, el padre del protagonista de nuestra historia. Sanguinaria y deliciosa, los miembros del circo (Segura disfrazado de payaso, que a su vez está disfrazado de mujer) acometen contra las fuerzas fascistas en una magia surreal que sólo de la Iglesia puede parir. Es evidente, dada la impronta dramática que suelen tener las películas del director, que el padre del que ahora se convertirá en el Payaso Triste muere en algún trágico accidente marcando al hijo a fuego. Psicología básica, pues.

B) Un minón. El Payaso Triste (tristemente rellenito, tristemente inoperante. Tiene pinta de manicero. Lo banco, igual) eventualmente cae en un circo. Claramente, si te introduje al tema B con la frase “minón” suponés qué continúa. El protagonista se enamora de -¡oh sorpresa!- la elástica acróbata del circo encarnada en la sensualísima (y pésima actriz) Carolina Bang, oprimida por los besos irlandeses y épicas golpizas del que se convertiría en el partenaire del protagonista: el Payaso Alegre. Sí, triángulo amoroso mediante y todo. Y la trama se complica.

C) Mountain Splash de sangrita. B desencadena C, por supuesto, tal es la lógica fílmica. Peleándose por el amor de la contorsionista, los payasos entablan una guerra sin concesiones que termina con la desfiguración facial de ambos, brote psicópata del protagonista y todo.

D) Vestuario de loca, loca, loca. El Payaso Triste deberá, intentando recuperar el amor de Natalia, la contorsionista que ante tanto despilfarro hematológico debe dejar el circo con sus muy anecdóticos personajes para fundar un cabarulo, sufrir tremenda transformación que lo dejará hecho un… bueno, extravagante caballero armado hasta los dientes con semi-automáticas que se pasea con total impunidad por Madrid con una mitra en la cabeza. Seh, está vestido de Papa lúdico, en definitiva.

E) Más sangre, sangre y sangre.

F) Final incierto y muerrrrrte para todos. La película, que se construía absurda ya desde un principio, tiene ese mensaje de abyección humana que recuerda a Disney con su “Creé en ti mismo!” O sea, una historia que se construye en constantes clímaxs hace que cada giro en el guión parezca absolutamente arbitrario y que, por falta de comparación, puede causar tanto taquicardia, como embole marca ACME. Ciertamente, Alex de la Iglesia tiene su propia firma y hay que tenerlo en cuenta a la hora de animarse a “Balada Triste”, una historia que exige de la pantalla grande. Y de última, tenés a Carolina Bang en escenas de sexo injustificadas. Todos ganamos.

Título: "Balada Triste de Trompeta"
Año: 2010
Origen: España / Francia
Director: Alex de la Iglesia
Principales intérpretes: Santiago Segura, Carolina Bang y Fofito
Duración: 107 minutos.

Comentó: Gabriella Botello, para OXIDO.-

INFRAMUNDO: La Rebelión de los Licántropos

2011-09-28T07:46:00.000-07:00

Tercera parte de la fascinante saga "Underworld", ésta "Rise of the Lycans" es en realidad una precuela, que ubica al espectador de las dos primeras entregas -"Underworld" y "Underworld: Evolution"-, varios siglos más atrás en el tiempo, y lo traslada a las lejanas épocas de los inicios de la sangrienta confrontación entre los vampiros comandados por Víktor (Bill Nighy) contra los hombres lobos que responden al mandato de Lucian (Michael Sheen). La novedad más saliente de esta tercera versión de "Underworld" es la ausencia casi total (decimos "casi" porque aparece en un breve pasaje al final del film) del personaje de Selene, epicentro de las dos primeras películas, rol jugado por la bellísima Kate Beckinsale.

En esta oportunidad, el principal personaje femenino es Sonja, la infortunada hija del cruel Víktor, encarnada por la inglesa Rhona Mitra, una actriz extremadamente física, y bastante convincente desde su labor. Rhona ha sido también protagonista de títulos como "Beowulf, la Leyenda", "El Hombre Sin Sombra" o "Doomsday, el Día del Juicio". Cuando decimos de ella que es una actriz "física", nos referimos a la dureza natural de su expresión, y obviamente, a que es una mujer que brinda una imagen sumamente poderosa, muy diferente a la fragilidad que transmite Beckinsale.

Durante el desarrollo de la acción, veremos a Lucian (quien desde pequeño ha sido criado como un esclavo "con atribuciones especiales" por parte de Viktor), liderando la rebelión de los brutales hombres lobos, quienes son muy cruelmente sometidos por los aristocráticos vampiros. El tema es que Lucian, quien es visto de reojo por más de un secuaz de Víktor, se ha enamorado de Sonja, con la cual mantiene encuentros furtivos a espaldas de todos. Hasta que un día se verá delatado y caerá en desgracia ante su protector, quien considerará absolutamente "abominable" el imaginar a su hija mezclando su linaje con una bestia, tal cual él considera a Lucian. Esto desencadenará una serie de acontecimientos que torcerán el desarrollo de la trama, y moverán a Lucian a encabezar a sus hermanos de raza en una sangrienta lucha para transformarse en seres libres.

"Rise of the Lycans" vuelve a estar a la altura de las dos anteriores producciones, transformando esta saga en una de las más interesantes y mejor concretadas desde hace mucho tiempo a esta parte. Otra vez las actuaciones de los británicos Bill Nighy (Víktor) y Michael Sheen (Lucian) se llevan los mayores aplausos, ambos muy viscerales en sus respectivos roles antagónicos. Rhona Mitra, la tercera en discordia, aporta su presencia subyugante. Y el trabajo de dirección a cargo del francés Patrick Tatopoulos (con vasta experiencia en efectos visuales, haciéndose cargo por primera vez de la dirección de un largometraje) es eficaz y elogiable.

Una vez más, el gran fuerte de la obra son sus imágenes; la fotografía es oscura, ominosa y brillante a la vez; y los efectos especiales son, por supuesto, espectaculares: tanto en licanos como en vampiros, sin olvidar la ambientación en una probable Edad Media, entre bosques y castillos en medio de la noche. Los escenarios naturales pertenecen a Nueva Zelanda.

Como mencionábamos al comentar "Underworld", ésta "Rebelión de los Licántropos" nos deja preparados para recibir a principios de 2012 la cuarta parte de la historia: "Underworld: Awakening". Y mantiene la -hasta ahora- trilogía, en un altísimo nivel. Algunas veces, terceras partes son muy buenas.

Título: "Underworld: Rise of the Lycans" ("Inframundo: La Rebelión de los Licántropos")
Año: 2009
Origen: Estados Unidos / Nueva Zelanda
Director: Patrick Tatopoulos
Principales intérpretes: Michael Sheen, Rhona Mitra y Bill Nighy
Duración: 92 minutos
Calificación: ☻☻☻☻☻☻☻☻☻

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

INFRAMUNDO (Underworld)

2011-09-27T14:29:00.000-07:00

La saga "Underworld", iniciada en 2003 con la película que vamos a comentar en esta entrada, continuada en 2006 con "Underworld: Evolution", posteriormente en 2009 con "Underworld: Rise of the Lycans", y que tendrá su cuarto capítulo en 2012 -exactamente cada tres años una de la otra- con "Underworld: Awakening", ha sido probablemente la mejor serie cinematográfica de los años modernos; ya sea por producción, estética, fotografía, y por qué no, trama argumental. Cada una de las sucesivas partes ha sido aguardada con ansias, y esto vuelve a repetirse a pocos meses del estreno del mencionado cuarto film.

La singular atmósfera oscura que se respira desde el vamos, desde la primera escena de "Underworld" se transformaría en un sello distintivo de la serie, la cual se mantendría a lo largo de las tres producciones vistas hasta ahora. La estética visual de ambos grupos en litigio, vampiros y licanos, está lograda y perfeccionada como nunca antes en la historia del cine (siempre refiriéndonos a films dentro del estilo).

En esta primera entrega, "Underworld", caemos en cuenta de la lucha milenaria entre los vampíricos descendientes de Víktor (encarnado por el actor inglés Bill Nighy, una especie de antiguo padre de su estirpe, superpoderoso, quien reina entre sus súbditos turnándose por siglos con sus hermanos Markus y Amelia) y los licanos, comandados por Lucian (el intérprete galés Michael Sheen). Los licanos (hombres lobos) han sido originalmente una raza inferior, esclavizada por los vampiros, hasta que toman la decisión de rebelarse, siglos atrás, y entrar en guerra contra ellos; guerra trasladada hasta nuestros días en medio de la vida diaria de los humanos, pero sin que el conflicto afecte a los mismos. Licanos y chupasangres se matan unos a otros en las sombras, a espaldas de la cotidiana existencia humana.

En este oscuro marco se producirá el encuentro de la pálida y espectral Selene (la bellísima Kate Beckinsale, protagonista entre otras de "Pearl Harbor", "Van Helsing" y "El Aviador"), principal arma letal de los vampiros, y Michael Corvin (personaje a cargo del inglés Scott Speedman), humano perseguido por los licántropos por ser el presunto portador de un tipo de sangre que podría unir a ambas razas y poner fin a esta guerra ancestral.

A nuestro modesto entender, "Underworld" es una obra memorable. La estética de los personajes está cuidadísima, el guión está muy bien urdido, y la dirección de Len Wiseman (ésta es su ópera prima) es rotunda y muy efectiva: la película es un entretenimiento genial, y las dos horas de duración se esfuman como si se tratasen de veinte minutos. La fotografía toma un papel fundamental en el acabado de la obra, pues la oscuridad es el tono permanente del film, pero siempre mostrado en planos visuales de estricta brillantez. En otras palabras, el color que emana durante casi toda la proyección es un lustroso azul noche.

En cuanto a las actuaciones, Beckinsale es una fascinante Selene, mezcla de arma mortal con delicadeza y fragilidad muy femeninas. En el reparto masculino, son muy convincentes las performances de Bill Nighy, como un helado y desalmado Víktor, y de Michael Sheen, como el esforzado cabecilla de los feroces hombres lobo.

Recomendable totalmente, inclusive para quienes no sean adictos al cine fantástico, "Underworld" es el puntapié inicial de una saga que seguirá con su cuarta entrega durante 2012, la cual esperamos fervientemente que no sea la definitiva...

Título: "Underworld ("Inframundo")"
Año: 2003
Origen: Reino Unido / Alemania / Hungría / Estados Unidos
Director: Len Wiseman
Principales intérpretes: Kate Beckinsale, Scott Speedman y Michael Sheen
Duración: 121 minutos
Calificación: ☻☻☻☻☻☻☻☻☻

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Número 9

2011-09-20T14:07:00.000-07:00

El cine de animación de estos últimos años ha ido regalándonos paulatinas joyas, verdaderas gemas creativas que no cesan de sorprendernos y de transportarnos a universos de fantasía, de los cuales llegamos a sentirnos parte y a experimentar una certera sensación de realidad, tal como si lo que vemos en pantalla fuese parte de la vida real.
En tal sentido, Número 9, magistralmente dirigida por Shane Acker (su ópera prima en largometrajes, además), muestra novedosos personajes y singulares técnicas de animación, en medio de una atmósfera un tanto opresiva por el contexto apocalíptico en el cual se desarrolla la acción.

En ésta, vemos al personaje del título, simplemente llamado 9, una especie de simpático muñequito de trapo (o arpillera, para ser más precisos), despertando a la vida tras la muerte de su creador, en un mundo futurista, devastado y en ruinas, tras una letal guerra entre la raza humana y máquinas lideradas por un enorme engendro mecánico llamado Brain.

9 topará en su andar con otros ocho pequeños seres similares a él, que viven en una diminuta comunidad, liderados por el que responde al nombre de 1, escondiéndose de los ataques de un monstruo mecánico denominado Beast. Uniendo sus fuerzas junto a 5 y 7 (algo así como la versión femenina del personaje), lograrán destruír a Beast, para luego enfrentarse a Brain, el cerebro que llevó a las máquinas a rebelarse contra la humanidad.

De más está decir que el espectáculo visual es maravilloso e increíble. Los pequeños seres logran despertar mucha simpatía, dadas sus tiernas y divertidas expresiones (especialmente en el caso del protagonista central 9, como así también en 5 -idéntico a 9, pero con un sólo ojito-, la aguerrida fémina 7, los gemelos 3 y 4 -los únicos que no poseen una voz definida-, y el dibujante 6); a su vez, la trama argumental post apocalipsis está muy bien desarrollada.

Las voces de los personajes han sido aportadas por famosos actores, tal como suele ocurrir con este tipo de películas, a saber: Christopher Plummer es la voz de 1, Martin Landau la de 2, John Reilly la de 5, Crispin Glover la de 6, Jennifer Connelly la de 7, Fred Tatasciore la de 8 y Elijah Wood la de 9. Sin dudas, un aporte de mucha calidad para esta producción. Y el detalle más significativo, creemos, viene acompañado del genial Tim Burton, transformado en productor de este maravilloso film. Cosa que no nos sorprende, generalmente Burton va de la mano con las genialidades, y esta Número 9, no es la excepción a esa regla.

Recomendable por donde se la mire, Número 9 le permite pasar un delicioso rato cinematográfico al espectador, durante cuya visión experimentará momentos decididamente gratos, nunca excentos de emoción y sorpresa. Una gratificante perla del séptimo arte del siglo XXI!

Título: "9"
Año: 2009

Origen: Estados Unidos

Director: Shane Acker
Principales intérpretes: Elijah Wood, Jennifer Connelly y Christopher Plummer (voces)
Duración: 79 minutos
Calificación: ☻☻☻☻☻☻☻☻☻

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

El Departamento / Wicker Park (2004)

2011-09-02T06:42:00.000-07:00

"El Departamento" debe haber sido uno de los títulos con menos gancho posibles, a la hora de atraer público a esta producción de intrigas amorosas y suspenso. El original "Wicker Park" sí se mostraba como una denominación más adecuada y atractiva para este film que a priori, no contaba con demasiados elementos que llamaran la atención: sin figuras de renombre en el reparto, con un director de escasos antecedentes, estaba destinado a perderse en la marea de películas de bajo vuelo que habitualmente nos inunda.

Pero bueno, por alguna razón cayó en nuestras manos el correspondiente DVD, y debemos confesar que el mismo se transformó en una amable sorpresa: un guión original, bien llevado por el director británico Paul McGuigan -ésta era su quinta película, ninguna de las anteriores relevante-, interesante desarrollo, y ningún momento de aburrimiento a lo largo de sus casi dos horas de duración.

El argumento nos muestra a Matthew (Josh Hartnett, a quien viéramos previamente en "Pearl Harbor" y posteriormente en "Sin City" y "Treinta Días de Oscuridad"), un joven hombre de negocios a punto de emprender un viaje laboral desde Chicago a China; quien interrumpe el mismo cuando cree ver dentro de un restaurante a una ex novia que fué el amor de su vida hasta que lo abandonara misteriosamente dos años atrás. Vale agregar que en este momento, Matthew lleva adelante otra relación, con su actual prometida Rebecca (Jessica Paré), de quien no está enamorado.

Ayudado por su gran amigo Luke (Matthew Lillard), Matthew se obsesionará persiguiendo a su ex, Lisa (rol jugado por la alemana Diane Kruger -la recordada Helen en "Troya"-), topando en su camino con otra mujer que también dice llamarse Lisa, pero que en realidad es Alex (la australiana Rose Byrne, quien participara de "Star Wars Episodio II, el Ataque de los Clones", casualmente también en "Troya", y recientemente en "X-Men, Primera Generación"), una actriz de teatro que mantiene a su vez una relación con Luke. Alex será un personaje determinante en la trama, que tiene la llave para que Matthew pueda encontrar a su amada perdida.

La película obliga al espectador a permanecer atento para no perder el hilo de los acontecimientos, en medio de una superposición de imágenes y escenas que poseen, todas ellas, un significado específico: nada ocurre porque sí, todo lo que se ve en pantalla tendrá su explicación más adelante; y las diferentes acciones se ensamblarán entre sí para ir dando lugar a más de una interesante vuelta de tuerca.

El director McGuigan utiliza con frecuencia el recurso de dividir al medio la pantalla, y de ese modo permitirnos observar cómo reaccionan los distintos personajes ante hechos simultáneos. Y esta modalidad le agrega una característica positiva al film, despertando la curiosidad y el interés del espectador.

La labor de la tripleta central es un tanto despareja, destacándose Rose Byrne como la mejor intérprete, con mayores recursos, y más imbuída en su rol de malvada / despechada. Josh Hartnett aparece poco convincente durante muchos pasajes, y Diane Kruger aporta más belleza que capacidad interpretativa.

Es recomendable esta "Wicker Park". Sin ser una obra memorable, se deja ver sin problemas y logra llevarse consigo la sonrisa final del espectador, satisfecho por haber encontrado un buen producto donde, en la primera impresión, sólo iba a hallar una intrascendencia más, perdida en el montón.

Título: "El Departamento" ("Wicker Park")
Año: 2004

Origen: Estados Unidos

Director: Paul McGuigan
Principales intérpretes: Josh Hartnett, Rose Byrne y Diane Kruger
Duración: 114 minutos
Calificación: ☻☻☻☻☻☻☻

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Atrapada (The Ward)

2011-08-30T13:16:00.000-07:00

Prácticamente no había oído ni mencionar este film del legendario -y algo decadente- maestro del terror y el suspenso, John Carpenter (entre cuyas gemas podemos encontrar "Halloween", "La Niebla", "La Cosa", "Christine" o "Vampiros"). Pero bueno, la cuestión es que concurrimos a una sala a verla, un poco atraídos por la presencia del director y otro poco por esa atmósfera de película ochentosa que emanaba del afiche en la cartelera. Y también porque evidentemente, teníamos muchas ganas de ir al cine.

El inicio de la trama nos muestra a la protagonista, Kristen (rol jugado por la atractiva Amber Heard, actriz texana con escasos antecedentes; quizás el más relevante de ellos sea el haber sido elegida en 2010 como la 13ª "mujer más caliente del mundo", por la revista Maxim), siendo atrapada por la policía tras haber incendiado un granero abandonado en medio de un desolado paraje... y de haberse quedado observando el accionar de las llamas. Declarada insana (cosa que deducimos, porque el filme no lo muestra) es enviada a un hospital psiquiátrico de aspecto tenebroso.

Una vez dentro de dicho lugar, Kristen es sometida a algunos malos tratos por el personal a cargo del nosocomio, bajo las órdenes de un sospechoso médico apellidado Stringer (Jared Harris), los cuales llegan a incluír un violento electroshock ante las dificultades que presenta la nueva interna para su control. Pero el real peligro latente en el siniestro hospicio va más allá de lo natural, hasta personificarse en un espanto que deambula por las noches asesinando a las chicas internadas allí adentro. Cabe destacar el curioso detalle de que todas las féminas hospitalizadas son jóvenes y bonitas, por qué será?

Ya consciente del horrible peligro que acecha dentro del lugar, Kristen planeará la huída del hospital junto a sus compañeras de infortunio, fracasando un par de veces en tales intentos; y conduciendo el hilo argumental hasta la vuelta de tuerca final, que no deja de ser bastante sorprendente. Punto a favor.

Hacía nueve años que Carpenter no entregaba un nuevo film a sus fans, tras la mediocre "Fantasmas de Marte", del año 2001. Y honestamente, no se puede afirmar que el veterano director haya retornado con todas sus luces. Sí están presentes algunos elementos de un intenso suspenso, pero en cuentagotas. Y si bien algunas escenas logran ser perturbadoras, puede decirse que el terror invade la pantalla demasiado esporádicamente.

La ambientación del hospital está correctamente lograda: agobiadora, asfixiante, lúgubre. Pero no termina de transformar en memorable esta produccón, ni mucho menos.

Las actuaciones se desarrollan del modo que pueden esperarse de actrices jóvenes, bonitas y desconocidas, las cuales se sabe de antemano que van a pasar gran parte de la cinta gritando y chillando a punto de ser asesinadas. Por encima de las demás asoma la labor de Danielle Panabaker (a quien hemos visto en la excelente serie americana "Shark" junto a James Woods; y en la nada excelente remake de "Martes 13", del año 2009).

Una vez finalizada la proyección -que no llega a la hora y media de duración-, la sensación que queda flotando es de pura intrascendencia. Ver "Atrapada" ha sido como tomar una taza de mate cocido, no sé si me comprenden... Nada agrega ni nada quita.

Título: "Atrapada" ("The Ward")
Año: 2010

Origen: Estados Unidos

Director: John Carpenter
Principales intérpretes: Amber Heard, Danielle Panabaker y Mamie Gummer
Duración: 88 minutos
Calificación: ☻☻☻☻☻☻☻

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Cazador de Demonios: Solomon Kane

2011-08-09T14:14:00.000-07:00

Años atrás, el personaje de Solomon Kane me había interesado mucho, después de haberlo conocido en un breve relato de su creador, Robert Howard, el mismo que diera vida a Conan el Bárbaro. Las aventuras de Kane (un sombrío puritano del siglo XVII) aparecieron entre 1928 y 1932 en una legendaria publicación gráfica denominada "Weird Tales". Kane (interpretado por el actor británico James Purefoy, a quien viéramos antes en "Resident Evil" y "La Feria de las Vanidades") es un noble vagabundo que deambula por la tierra combatiendo a las fuerzas del infierno, por lo cual sus peripecias aparecen enmarcadas en oscuros y tenebrosos parajes. Y los engendros a los cuales se enfrenta están a tono con esa misma descripción.

Pues entonces, las expectativas por ver la versión fílmica de este singular personaje, dirigida por el joven cineasta Michael Bassett (quien tan sólo cuenta con tres títulos filmados en su haber), a priori eran excitantes. Inclusive las mismas no mermaron pese a que en las primeras imágenes de la película, se nota demasiado la mano de las técnicas de computación en la parte fotográfica.

La historia comienza con el Capitán Solomon Kane siendo condenado a que su alma sea entregada al Diablo por un siniestro emisario del mismo, luego de que Kane sembrara la muerte y el pánico entre propios y extraños, mientras buscaba un tesoro sagrado.
Posteriormente, Kane trata de ocultarse refugiándose en un austero monasterio cristiano, pese a ser un noble propietario de tierras y riquezas. De dicho antro religioso va a ser invitado a retirarse, debiendo salir a confrontar a las fuerzas del Mal que pugnan por llevar su alma al averno.

En su camino topará con una amable familia de viajeros -muy creyentes-, que lo ayudarán tras ser atacado por un trío de malvivientes en el bosque (Dado que Solomon se llama a sí mismo "un hombre de paz", rehúsa empuñar las armas y no se defiende de dichos sujetos, resultando herido por ellos). A dicha familia se les unirá en su andar, hasta que se encuentran con las malignas fuerzas del hechicero Malachi (Jason Flemyng), quienes asesinan a casi todos ellos, llevándose a su hija Meredith (Rachel Hurd Wood). Solomon jura rescatarla, tras recibir una especie de bendición del moribundo padre de la adolescente, quien le asegura que su alma se redimirá si concreta el salvataje de Meredith.

Con el retorno de Kane a la acción, comienza la parte más vertiginosa del filme, que incluye una vuelta de tuerca acerca de la identidad de un misterioso jinete enmascarado del cual se vale el maligno Malachi para llevar adelante sus impiadosos crímenes por toda la comarca.

El guión es bastante básico, pero a la vez efectivo. La película dista mucho de ser una joya del séptimo arte, pero se las ingenia para mantenerse entretenida a lo largo de la poco más de hora y media de su duración. Quizás le juega un poco en contra el parecido del personaje principal con Van Helsing, producción contra la cual "Solomon Kane" pierde en casi todas las comparativas. Una de ellas es la inexpresividad de James Purefoy para encarnar a un personaje siniestro y controvertido como el puritano Kane, al cual realmente podría, quizás, haberle extraído mayor jugo.
Y en todo momento se respira la sensación de que esta obra es una producción de segunda categoría, distante en posibilidades económicas de las pesos pesados del género.

Título: "Cazador de Demonios: Solomon Kane"
Año: 2010

Origen: Francia / Reino Unido / República Checa

Director: Michael Bassett
Principales intérpretes: James Purefoy, Max Von Sydow y Rachel Hurd Wood
Duración: 104 minutos
Calificación: ☻☻☻☻☻☻☻

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Escupo Sobre tu Tumba (Versión original de 1978)

2011-07-07T07:19:00.000-07:00

Hay películas que escapan totalmente al concepto que trae implícito el cine como arte y entretenimiento. Tan lejos se encuentran de esas palabras, como cerca de producir shocks emocionales profundos en aquellas personas que las vean. En aras de referirnos a "Escupo Sobre tu Tumba", a aquella versión original de 1978 dirigida por Meir Zarchi, debemos confesar que se transformó en la experiencia cinematográfica más dura para quien escribe, bastante más que cualquier otra. El acto más cobarde y despreciable de la naturaleza humana (o uno de los) se ve descripto en esta cinta del modo más descarnado posible. Y honestamente, logra el cometido de impactar, chocar, aturdir, dejar pensando. Terrible es el mérito visual que aporta la protagonista del film, la nieta del famoso Buster Keaton, la oriunda de Arkansas, Camille Keaton.

La trama argumental es tan primaria y simple como la bestialidad de los actos que se describen en la misma: Jennifer Hills es una joven escritora que se dirige en búsqueda de inspiración para completar una novela, a un apartado poblado, alejado de su hogar en New York. Luego de algunos días de permanencia en una cabaña alquilada en un desolado paraje, Jennifer se verá atacada por un cuarteto de muy desagradables individuos semi marginales, quienes la violarán brutalmente repetidas veces, la golpearán cobardemente, y la dejarán abandonada, dada por muerta.

Posteriormente, y luego de largos y sufridos días de recuperación, Jennifer comenzará a urdir una venganza contra sus violadores, que mantendrán el hondo dramatismo de la trama.

Todo en esta película es muy especial. Comenzando por la actriz elegida para asumir el difícil rol de Jennifer, la frágil Camille Keaton. La nieta de Buster Keaton es la imagen misma de la pureza, femeneidad y endeblez. Por ende, el altísimo castigo al cual la someten los indeseables, golpea más fuerte en las retinas (y en el estómago) del espectador. Nadie mínimamente en sus cabales puede no sentirse afectado por los sucesivos -y muy explícitos- actos de violencia a los cuales los inescrupulosos sujetos someten a la joven escritora, que no deben estar muy alejados de las violaciones de la vida real.

Camille Keaton ha participado tan sólo en unos quince films, siendo ésta su séptima actuación para la pantalla grande. Entre sus otros títulos reconocibles, aparecen "Trágica Ceremonia en Villa Alexander", "La Jungla de Cemento" o "Savage Vengeance", una especie de secuela no muy relevante del film que nos ocupa. Sus performances han sido muy espaciadas, al punto de que no filmó nada entre 1999 y 2010, pero en este último año participó de tres producciones diferentes. Si uno observa detenidamente su rostro, pueden verse en él las secuelas de un accidente automovilístico que la actriz sufriera en 1969.

Los roles de los abusadores son jugados por Eron Tabor, Richard Pace, Anthony Nichols y Gunter Kleeman. Para éstos cuatro intérpretes, "I Spit on Your Grave" ha representado su única intervención cinematográfica. Todo un dato! Y que no deja de agregarle cierto toque de culto al film.

En cuanto al director, Meir Zarchi, no hay mucho que decir, simplemente que (pese a que algunas críticas remarcaron como "demasiado lenta" la acción) supo darle una inconfundible identidad dramática a esta producción, quizás como nadie más. Tan sólo dirigió dos filmes, el que nos ocupa y "Don't Mess with my Sister!", siete años después. Dicen que se inspiró en un hecho real para filmar "I Spit on your Grave", e incluso se enamoró de Camille Keaton durante la filmación, llegando a casarse poco tiempo después (y a divorciarce en 1982!). Originalmente la película fué bautizada "Day of the Woman", pero este título se cambió a "I Spit on your Grave" (evidentemente, mucho más gráfico) en el año 1981, luego de una re-distribución. De más está decir que "Escupo Sobre tu Tumba" fué prohibida en muchísimos países, y que la crítica especializada -sin dudas proclive a presenciar obras mucho más artísticas- la consideró totalmente deplorable.

Personalmente, esta obra me impactó mucho, pero no recomendaría su visión, excepto a aquellas personas de mente bastante amplia, y estómagos para nada débiles. No niego que me ha fascinado la identidad que le ha dado Camille Keaton a Jennifer, y no puedo imaginar a otra actriz en su lugar (pese a la reciente remake de 2010, protagonizada por Sarah Butler), pero hay que entender que las imágenes que la filmación muestra son extremadamente shockeantes; a las que, la absoluta carencia de banda sonora, no hace más que recargar la pesada atmósfera en la cual se desarrollan los hechos.

Título: "I Spit on Your Grave" ("Escupo Sobre tu Tumba")
Año: 1978

Origen: Estados Unidos

Director: Meir Zarchi
Principales intérpretes: Camille Keaton, Richard Pace y Eron Tabor.
Duración: 101 minutos
Calificación: ☻☻☻☻☻☻☻☻

El turista (Jolie / Depp)

2011-02-24T10:33:00.000-08:00

En el análisis previo, nos resultaba imposible pensar que la combinación "Película de suspenso e intriga + una de las ciudades más maravillosas del mundo (Venecia) + la unánimemente reconocida como la mujer más bella del mundo del espectáculo (Angelina Jolie)", pudiese arrojar un resultado final que no fuese el óptimo. Pero hete aquí que con El Turista, remake de "El Secreto de Anthony Zimmer", film francés del año 2005, lo que no podía ocurrir, ocurre. Y no es nada bueno.

Dada la enorme admiración y simpatía que nos despierta la hija del difunto Jon Voight, se nos dificulta hacer una mala review de alguno de sus filmes, pero honestamente, aquí no nos queda otra salida. El desarrollo de la acción es lento e irresoluto, la actuación de los protagonistas no convence a nadie (menos que menos la de Johnny Depp, que nunca fué santo de nuestra devoción, pero lo suyo en esta producción colma la paciencia de cualquiera), el argumento es endeble y sostenido con alfileres... lo que sí se mantiene maravilloso e inalterable es la magia que emana de las postales venecianas, eso no lo pudieron destruír ni desvalorizar.

La acción de El Turista nos muestra a una misteriosa y glamorosa dama de altísima alcurnia, llamada Elise Clifton Ward (Jolie, por supuesto), la que es observada en mínimo detalle por la policía francesa mientras toma un tren que la traslada desde París a Venecia. Presuntamente, Elise es la amante de un habil ladrón llamado Alexander Pearce, quien por medio de una carta le pide a Elise que viaje en ese tren a Venecia, y una vez a bordo del mismo, se acerque a algún individuo que responda a su misma complexión física, para hacerles creer a la mencionada policía francesa y a Scotland Yard que tal sujeto del tren puede ser Pearce, con su rostro cambiado tras una operación.

La policía no es la única que rastrea a Pearce, también lo hacen unos mafiosos rusos que responden a las órdenes de un criminal apellidado Shaw (el veterano actor inglés Steven Berkoff), de quien Pearce estuvo al servicio en su momento, y a quien le ha sustraído la nada despreciable cifra de 744 millones de dólares (¡¿?!).

Al encontrarse Elise a bordo del imponente tren que cubre la distancia entre París y Venecia, elegirá como el falso Pearce a Frank Tupelo (Johnny Depp... a nuestro modesto juicio, un actor inexplicablemente sobrevalorado), un maestro de matemáticas que se halla en viaje de turismo hacia la preciosa ciudad itálica, y el cual viene de perder a su mujer tiempo antes. A partir de allí comenzarán a desarrollarse los acontecimientos en un marco de peligros para Tupelo, quien por supuesto se hallará subyugado ante la presencia de Elise, y cuando empiece a entender lo que ocurre, tal vez sea un poco tarde.

En realidad, todo en El Turista es muy flojo, a excepción de los escenarios naturales de la encantadora ciudad italiana. El guión es endeble, con profundos agujeros que quedan sin explicación. El desarrollo de la acción (si se le puede llamar de ese modo) es lento en extremo. La labor del director germano Florian Henckel von Donnersmarck (ésta es su sexta experiencia tras las cámaras) es pobre: nunca logra otorgarle ritmo ni interés al desarrollo. Y lejos está de explotar adecuadamente las bondades del fastuoso escenario natural en el cual se precipitan los acontecimientos.

Finalmente, muy a nuestro pesar, debemos reconocer que la máxima estrella Angelina Jolie resbala notoriamente en esta producción: no actúa, se dedica casi exclusivamente a desfilar su increíble rostro ante las cámaras, y a mostrar todo el tiempo su desbordante glamour, transformándose en una caricatura de sí misma.
Lo de Depp es más de lo que ya ha mostrado en casi todas las películas donde tuvimos oportunidad de verlo: sobreactuado, inexpresivo, poco creíble, casi bizarro. Realmente soportarlo en acción es un dolor para los ojos.

Conclusión: El Turista es un film muy poco recomendable. Si se es fan del género de suspenso, aquí de eso no hay nada. Si el espectador busca una película romántica, no es tampoco a esto a lo que se apunta, pese a que en semejante escenario veneciano, Depp podría demostrar algo de entusiasmo al compartir una lujosísima habitación de hotel con un personaje como el que encarna Jolie. Acción? Ni hablemos. Y las labores actorales de la pareja central realmente es bastante opaca: la de Angelina, porque el argumento no le exige nada. Y Johnny, evidentemente no tiene remedio.

Título: "The Tourist" ("El Turista")
Año: 2010
Origen: Esatdos Unidos / Francia
Director: Florian Henckel von Donnersmarck
Principales intérpretes: Angelina Jolie, Johnny Depp y Timothy Dalton.
Duración: 103 minutos
Calificación: ☻☻☻☻☻

La Chica que Soñaba con un Fósforo y un Bidón de Gasolina

2011-01-10T11:49:00.000-08:00

Sorpresa de alto impacto fué en su momento haber visto la primera entrega de esta saga Millennium, la dura y visceral "Los Hombres que no Amaban a las Mujeres". Ahora nos encontramos ante la chance de disfrutar de la segunda parte, ésta lanzada bajo el singular -pero muy atinado, lo sabrán si la han visto!- título de "La Chica que Soñaba con un Fósforo y un Bidón de Gasolina".

Nuevamente la dupla central aparece conformada por la extravagante y oscura Lisbeth Salander (quien nos da la impresión de ser ya parte de la piel de la pétrea actriz sueca Noomi Rapace) y Mikael Blomkvist (el muy buen intérprete de la misma nacionalidad, Michael Nyqvist). En cambio, la dirección aquí está a cargo de Daniel Alfredson (también sueco él, sin grandes antecedentes al momento de esta filmación), en reemplazo de quien se sentara tras las cámaras en la primera entrega, Niels Oplev.

Qué nos depara esta segunda película? Lisbeth Salander es acusada injustamente de un triple crimen: el de dos colaboradores de la revista Millennium (donde trabaja su amigovio, el periodista Blomkvist), asesinados mientras investigaban una red de tráfico sexual y trata de blancas, en la cual se hallan involucrados policías, políticos y proxenetas varios; y el de su tutor Nils Bjurman (Peter Andersson, también sueco), sádico degenerado que violó a Lisbeth en la primera parte, y del cual ella se ha vengado violentamente, dejándole un tatuaje marcado crudamente en el abdomen, que lo identifica como un sadista abusador.

Lisbeth se ve obligada a escapar y ocultarse, mientras utiliza sus notables habilidades de hacker para tratar de investigar los hechos, colaborando a la distancia con el avezado periodista Blomkvist, quien siente un especial cariño por la desangelada persona de Lisbeth. En medio de todo esto, la trama irá tomando una sorprendente vuelta de tuerca que empezará a mostrarnos los motivos por los cuales Lisbeth es "La Chica que Soñaba con un Fósforo y un Bidón de Gasolina"... El culpable de estos hechos de los cuales se la acusa, es una persona directamente vinculada a ella y su pasado...

Este segundo film de la saga pergreñada por el genial escritor Stieg Larsson nos ha atrapado desde el vamos, desde la primera escena. La historia es actual, centrada en un personaje propio de la era moderna (hacker, after punk, bisexual, portadora de un enorme tatuaje en su espalda) como Lisbeth Salander; con quien nos identificamos plenamente (en gran medida por su estética y forma de ser, medianamente vinculada al estilo musical que nos apasiona).
Esta obra posee todos los aditamentos necesarios para transformarse en un baluarte del cine de culto, y los tiene en su justa medida. Trae una potente carga de violencia no desmesurada, poderosas actuaciones del dúo central, muy buenas imágenes y fotografías (aunque no se luzcan tanto como en la primera entrega de la serie), equilibrada dosis de suspenso y una gran dirección.

Noomi Rapace, cuyo nombre verdadero es Noomi Norén, oriunda de Hudiksvall, nacida a fines de 1979, se encamina a transformarse en un ícono del cine underground, o no proveniente de la fastuosa Hollywood. Entre sus antecedentes previos tenemos menos de una treintena de títulos, prácticamente todos ellos filmados en Escandinavia, y seguramente imposibles de conseguir por estos lares... una verdadera pena. Al menos, nos queda la oportunidad de ver la tercera y última entrega de Millennium, la que registra otro extenso título, tal cual es "La Reina en el Palacio de las Corrientes de Aire"...

Cien por ciento recomendable, "La Chica que Soñaba con un Fósforo y un Bidón de Gasolina", es muy pareja en calidad con su predecesora, y seguramente también lo ha de ser respecto a su sucesora. Sin dudas ha sido de lo mejor que hemos visto en estos últimos tiempos: calificable como atrapante, sugestiva y descarnada a la vez.

Título: "Flickan Som Lekte Med Elden" ("La Chica Que Soñaba Con Un Fósforo Y Un Bidón De Gasolina")
Año: 2009
Origen: Suecia / Dinamarca / Alemania
Director: Daniel Alfredson
Principales intérpretes: Noomi Rapace, Michael Nyqvist y Lena Endre.
Duración: 129 minutos
Calificación: ☻☻☻☻☻☻☻☻☻

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte 1

2010-12-09T18:54:00.000-08:00

Harry Potter, ultra archi famoso personaje literario llevado al cine en una saga de siete películas, nunca ha sido uno de los favoritos de quien escribe. Supongo ha de deberse a una cuestión de edad: probablemente me hubiese fascinado, de haber aparecido en mis años adolescentes. Hoy en día, veo a Harry como un tipillo destinado a absorver espectadores muy jóvenes y ávidos de consumo de efectos especiales. Y obviamente, que le ha proporcionado a su creadora, J.K. Rowling, eterno bienestar económico.

No habiendo seguido la serie en cuestión, y habiendo visto tan sólo dos de los filmes previos (los primeros), igualmente acepté la invitación de una amiga muy querida para concurrir a una sala cinematográfica a ver qué era de la vida del joven mago con anteojos, sabiendo además que "Harry Potter y las Reliquias de la Muerte" es la última película de la historia, a su vez dividida en dos partes.

En este caso, la trama gira en torno a las peripecias que viven Harry (siempre encarnado por el expresivo Daniel Radcliffe) y sus laderos Hermione Granger (la joven actriz parisina Emma Watson) y Ron Weasley (Rupert Grint), tratando de escapar de su mortal enemigo Lord Voldemort (el reconocido y algo de moda Ralph Fiennes), el mago de la oscuridad y líder de los letales Mortífagos.

Honestamente, el hilo argumental de la película se me hizo un poco difícil de seguir, al no estar debidamente empapado de la extensa galería de personajes que desfilan por la pantalla: Ojoloco Moody, el Ministro de Magia Rufus Scrimgeour, los elfos Kreacher y Dobby, Xenophilius Lovegood, la malvada Bellatrix Lestrange, Luna, y una larga lista de etcéteras.

Por supuesto, los efectos visuales de esta súper-producción son alucinantes. Muy especialmente el tramo en el cual Hermione va leyendo "La Fábula de los Tres Hermanos", donde va explicando de qué se tratan las reliquias de la muerte del título: la Varita de Saúco, la Piedra de la Resurrección y la Capa de la Invisibilidad. Las imágenes animadas que acompañan la voz de Hermione son sencillamente encantadoras.

En las labores actorales, siempre es maravilloso poder ver en un reparto a Helena Bonham Carter, la esposa del enorme director Tim Burton, quien en este caso se hace cargo del rol de Bellatrix Lestrange. Bonham Carter es una experta en dar vida a personajes oscuros y retorcidos (recuérdese sus actuaciones en "El Planeta de los Simios", "Conversaciones con Otras Mujeres", "Sweeney Todd", "Alicia en el País de las Maravillas", y varias más). Su imagen en este caso atrae de inmediato todas las miradas.

Los tres intérpretes centrales cumplen muy bien con sus caracteres, los cuales, sin lugar a dudas, los divierten. Y eso se nota. Casi toda la filmografía de estos tres jóvenes se remite a las películas de esta serie, y no es desatinado acotar que han crecido junto a ella: desde aquélla lejana "Harry Potter y la Piedra Filosofal", del año 2001, han ido mutando paulatinamente de niños a adolescentes.

El inglés David Yates es el director del film, quien también ha tenido a su cargo las partes previas "Harry Potter y la Orden del Fénix" y "Harry Potter y el Misterio del Príncipe". Su labor es correcta, y por momentos logra lo que para nosotros, en este tipo de obras, constituye un mérito: le baja los decibeles al vértigo de lo que ocurre en pantalla.

En resumidas cuentas: Harry Potter y sus aventuras no van a cambiar la historia del mundo, pero sin dudas constituyen un imán irresistible para su innumerable legión de fans de todos los rincones del orbe. A punto ya de culminar la saga (la segunda parte de "Las Reliquias de la Muerte" ya tiene fecha de estreno para mediados de 2011, en formato 3D), suponemos que los devotos de Harry se aferrarán aún más a este film y su secuela, por tratarse del final de una década de hechizos y encantos. Recomendable y entretenida, como seguramente han de ser todas sus predecesoras.

Título: "Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 1" ("Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: Parte 1")
Año: 2010
Origen: Reino Unido / Estados Unidos
Director: David Yates
Principales intérpretes: Daniel Radcliffe, Emma Watson y Helena Bonham Carter.
Duración: 146 minutos
Calificación: ☻☻☻☻☻☻☻

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Bajo Anestesia (Awake)

2010-11-09T11:27:00.000-08:00

Atípico film enrolado en el género del Suspenso/Thriller, que presenta características que lo convierten en un producto -podríamos llamarlo- bastante original. "Bajo Anestesia" es la ópera prima perteneciente al director Joby Harold, quien tampoco ha vuelto a filmar tras la misma, que data del año 2008.

La historia gira en torno a un joven multimillonario, Clay Beresford (personaje interpretado por el novel actor canadiense Hayden Christensen, al que vimos en los episodios II y III de "Star Wars", "El Ataque de los Clones" y "La Venganza de los Sith"), quien está a punto de ser sometido a una delicada operación de trasplante de corazón. Clay tiene una relación afectiva muy estrecha con su madre, Lilith Beresford (la magnífica actriz sueca Lena Olin -una de las presencias más subyugantes del Séptimo Arte-, entre cuyas numerosas perlas se encuentran "Fanny & Alexander", "La Insoportable Levedad del Ser", "Havana", "Mr. Jones", "Casanova", etc.); y a su vez trata de llevar adelante un romance -del cual su progenitora no está enterada-, con una secretaria de ésta, Samantha. Este rol está a cargo de una de las mujeres más marketineras de la actualidad hollywoodense, Jessica Alba ("Dark Angel", "Honey", "Sin City", "Los 4 Fantásticos", "Azul Extremo" y varias más).

En torno a este trío central, se mueve un cirujano varias veces cuestionado por mala praxis, el Dr. Jack Harper (Terrence Howard), quien es amigo personal del joven Clay, y que tendrá a su cargo la delicada operación de corazón, contra la voluntad de la madre del paciente. Durante la mencionada cirugía, Clay experimentará un rechazo a la anestesia, que lo dejará paralizado por completo, pero consciente de lo que ocurre a su alrededor. De este modo, se enterará de terribles circunstancias que rodean la situación, y de que ni su amada Sam ni su amigo el Dr. Harper son lo que dicen ser. A su vez, cobrará mayor importancia la relación entre madre e hijo, la cual rozará los límites de lo sobrenatural en algunas escenas.

La trama es original, y el tratamiento del guión es fuera de lo común. Por momentos esto le juega en contra al film, sobre todo en las escenas en el quirófano, donde el millonario sufre el fenómeno de "conciencia anestesiada"; pero en el producto final, termina volcando la balanza a su favor. Gran parte del mérito se lo lleva la actuación de Lena Olin, una actriz a la cual le sobra paño para este tipo de producciones hollywoodescas, y de la cual disfrutamos mucho más cuando la hemos visto en roles más artísticos y comprometidos. Olin es una mujer muy expresiva, con gran fortaleza interpretativa. Ella es la que evita el naufragio de la película en su momento más inverosímil, gracias a los diálogos que mantiene con su hijo en esa especie de limbo en el cual se encuentran mientras la operación se va efectuando.

Hayden Christensen aparece correcto en su labor, aunque un tanto carente de visceralidad. Y Jessica Alba aporta su presencia y la versatilidad de su rostro, el cual transmite convincentes sentimientos de alegría o tristeza, según la ocasión. Alba es una buena actriz, debemos ser justos: no es tan sólo un rostro bonito.

En cuanto al trabajo del debutante Joby Harold, digamos que transita los senderos de lo aceptable, aunque su labor dista de ser brillante. Sobre todo en los pasajes de suspenso, no logra tener en vilo al espectador casi en ningún momento. No obstante, se redime forzando a que el análisis final del producto arroje saldo favorable. Otro detalle significativo es que el filme es demasiado corto, ni siquiera llega a la hora y media de duración; quizás eso ayude a que se haga bastante llevadero.

Resumiendo: "Bajo Anestesia" no pasará a la historia del cine, pero es recomendable para los amantes de los Thrillers, o para aquellos potenciales espectadores que simplemente buscan pasar un rato entretenido frente a la pantalla.

Título: "Awake" ("Bajo Anestesia")
Año: 2008
Origen: Estados Unidos
Director: Joby Harold
Principales intérpretes: Hayden Christensen, Jessica Alba y Lena Olin.
Duración: 84 minutos
Calificación: 7 puntos.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

La Novia del Cabello Blanco

2010-11-05T14:48:00.000-07:00

Existe un atrapante -al menos para el gusto de quien escribe- género de cine oriental denominado "Wuxia". Esta palabra define aquéllas obras -generalmente majestuosas- ambientadas en la China milenaria, o lugares siempre referidos a territorios asiáticos. Las mejores expresiones de este género que mezcla acción, artes marciales, romanticismo y costosos vestuarios, han tenido lugar en la última década. Títulos como "Héroe", "La Casa de las Dagas Voladoras" o "La Maldición de la Flor Dorada" han significado un aluvión de sensaciones cinematográficas absolutamente conmovedoras; repletas de plástica, metáforas, maravillosos escenarios y belleza sin fin.

Ahora bien, el film que nos ocupa, "La Novia del Cabello Blanco", fechada en 1993, es uno de los primeros exponentes reconocidos del estilo. Filmada con menores recursos que las obras de los años recientes, este film del director chino Ronny Yu (Poseedor del dudoso crédito de haber realizado las muy mediocres "La Novia de Chucky" o "Freddy Versus Jason") es simplemente eso: un antecedente un tanto prehistórico de las películas de Wuxia actuales.

La trama gira en torno al clan Wu-Tang, cuyo sucesor al trono, Zhuo-Yi Hang (rol jugado por Leslie Cheung: "Adiós Mi Concubina", "Cenizas del Tiempo"), es un sujeto irresponsable y disconforme con la vida que le toca. Este clan se encuentra en guerra contra tribus invasoras a su territorio, especialmente contra una especia de culto maligno comandado por dos hermanos siameses, Ji Wushuang masculino (Francis Ng) y Ji Wushuang femenino (Elaine Lui).

Precisamente una letal asesina perteneciente a este culto, Lian Nichang (la actriz taiwanesa Brigitte Lin, a quien también hemos visto en "Cenizas del Tiempo"), asimismo llamada Mujer Loba, se cruza fortuitamente en la vida de Zhuo-Yi Hang, cambiando sus destinos para siempre.

Surge entre ellos una atracción pasional que los lleva a olvidar la guerra en la que se encuentran inmersos, y que representan lo más granado de sus respectivos bandos. La hermosa Lian Nichang decidirá huír del culto siniestro para estar junto a Zhuo-Yi Hang, pero esto le costará intenso dolor y castigo a manos de Ji Wushuang (en su mitad masculina), quien la mantiene cautiva en el culto porque está enamorado de ella.

Nada es demasiado brillante en el filme: ni las labores actorales, ni las imágenes, ni el trabajo del director, ni la fotografía. Lo mejor parece ser el guión, bastante imaginativo. Es una obra, si, interesante desde el punto de vista épico; y siendo honestos, en ningún momento llega a aburrir. Lo que sí es injusto -e inevitable a la vez-, es comparar a "La Novia del Cabello Blanco" con las películas actuales de este género, las cuales han evolucionado -sobre todo en imágenes, fotografía y vestuarios- hasta límites inimaginables.

"Bai Fa Mo Nu Zhuan" (tal su título original) se deja ver, sin ser para nada una película inolvidable. Recomendable solamente para seguidores del Wuxia o de las artes marciales, difícilmente pueda resultar atractiva para otros tipos de públicos.

Título: "Bai Fa Mo Nu Zhuan" ("La Novia del Cabello Blanco")
Año: 1993
Origen: Hong Kong
Director: Ronny Yu
Principales intérpretes: Brigitte Lin, Leslie Cheung y Francis Ng.
Duración: 92 minutos
Calificación: 6 puntos.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Agente Salt

2010-10-21T12:28:00.000-07:00

A diferencia de las películas de culto -bastante alejadas del circuito comercial- que veníamos viendo y comentando, la que ahora nos va a ocupar posee en grandes cantidades todos aquéllos aditamentos que Hollywood vuelca en cada superproducción que llega a las salas de todo el mundo: altos costos, parafernalia escénica, clichés de toda índole y actrices o actores excelentemente pagos. En el caso de "Agente Salt", éste último punto se potencia al extremo: la protagonista es nada menos que la actriz número uno del orbe, tanto en belleza y popularidad como en salarios: Angelina Jolie Voight, cariñosamente conocida como Angelina Jolie por todos los demás mortales del planeta.

La acción nos muestra a una espía cuya verdadera identidad es el meollo de la cuestión. Evelyn Salt, tal su nombre (obviamente, nuestra Angelina es quien le da piel) es una brillante agente americana enrolada en la CIA, cuyas comprometidas y arriesgadas labores en servicio la han llevado casi al status de heroína nacional. Pero en una oportunidad, ante la declaración de un ex espía ruso detenido, Evelyn cae bajo sospecha de ser una doble agente, cuya misión inmediata es asesinar al presidente ruso en su inminente visita a Estados Unidos para asistir a los funerales del vicepresidente de la nación más poderosa de la Tierra; y de ese modo crear una confrontación entre ambos países, que derive en un conflicto bélico durante el cual Rusia pueda recuperar su status perdido dentro de las super potencias mundiales.

Al saberse sospechada, Evelyn decide escapar de sus hasta entonces compañeros de labor, procupada por la suerte de su esposo, quien en alguna oportunidad arriesgara su propio pellejo para salvar a Evelyn de la muerte a manos de la policía secreta coreana. Obviamente este escape motivará un lógico incremento de suspicacias por parte de quienes compartían hasta ese momento con ella tan especial trabajo. Es allí cuando se desatará una vertiginosa persecución para dar caza a la glamorosa Salt, quien pese a verse involucrada en situaciones de harta violencia, nunca pierde esa atracción tan felinamente especial que Jolie sabe imprimirle a cada uno de sus personajes.

El film es -como mencionábamos en las primeras líneas- una típica súper producción hollywoodense de acción y desenfreno, y dentro de esos parámetros, es realmente bueno.
El director es el australiano Phillip Noyce, quien posee varios títulos importantes en su currículum: "Furia Ciega", "Juego de Patriotas", "Sliver: Invasión a la Privacidad", "El Santo", "El Coleccionista de Huesos", etc.. O sea, su especialidad parece ser a las claras el cine de entretenimiento y acción, donde ha cosechado muy buenos logros; y esta "Agente Salt" no se queda atrás. El vértigo es constante, la película es sólida, y el aburrimiento no llega en ningún momento. O sea, para lo que se pretende de este tipo de filmes, es más que suficiente.

Angelina Jolie es la agente Salt. Y también es "Agente Salt", la película toda. Traducido: ella es quien está todo el tiempo en pantalla, y la labor de todos los demás actores pasa completamente desapercibida. Es algo que suele ocurrir cuando Jolie aparece en escena... generalmente nadie tiene ojos disponibles para nada ni nadie que no sea ella. Todo esto obra en conocimiento de la archi famosa hija de Jon Voight, así que no tiene que esforzarse mucho en su labor actoral para sacarse una alta nota. Le basta sonreír, y que el director enfoque adecuadamente sus labios, no es necesario mucho más.

Igualmente, en este caso su trabajo es un poco más duro de lo habitual, porque Evelyn Salt no la pasa nada bien a lo largo de la película: sufre torturas, golpes, persecuciones, tiroteos, explosiones, más golpes, caídas, y otras calamidades. Y cuesta un poco creer que un delicado físico como el de Jolie Voight de Pitt pueda soportar tanto, aunque... sabido es que ella no es como los demás mortales, de modo que quizás su singularidad la ayude a sobrellevar todo lo que le pasa a Salt durante la trama. No quisimos decir que sea poco creíble, simplemente que si Angelina engorda un par de kilitos, estaremos más tranquilos por ella. Porque la queremos y admiramos, claro.

En síntesis: un producto típicamente americano, recomendable para quienes no vayan al cine a buscar enseñanzas, moralejas, ni experiencias inolvidables. Aquí lo único inmortal es la infinita seducción que emana de la señora esposa del afortunado Brad Pitt.

Título: "Salt" ("Agente Salt")
Año: 2010
Origen: Estados Unidos
Director: Phillip Noyce
Principales intérpretes: Angelina Jolie, Liev Schreiber y Daniel Olbrychski
Duración: 100 minutos
Calificación: 8 puntos

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

El Tambor (1979)

2010-09-06T19:02:00.000-07:00

Caso curioso el de esta co-producción germano/francesa/polaco/yugoslava, que a fines de la década del 70' y principios de los 80's, supo despertar muy favorables comentarios en críticos cinematográficos de todo el mundo, a punto tal de transformarse en objeto de culto para devotos cinéfilos del orbe entero. Nunca había tenido la oportunidad -o las suficientes ganas- de ver el filme completo. Finalmente, habiendo conseguido una edición en formato DVD, esta falta quedó solucionada.

Pero debo decir que la obra no estuvo a la altura de las expectativas generadas, como así tampoco de los exagerados elogios que los entendidos en la materia le han reservado. Al menos, para el modesto entender de quien escribe.

La trama gira en torno al pequeño Oskar Matzerath (David Bennent, cuya única actuación importante, fuera de ésta, ha sido en "Leyenda"), un niño de tres años que por propia voluntad detiene su crecimiento (Qué bueno sería poseer tal facultad!) a esa edad, a modo de rebelión y rechazo contra el mundo que lo rodea. El mencionado Oskar pasa casi todo su tiempo tocando compulsivamente el tambor de hojalata rojo y blanco del título (regalo de sus padres), el cual va reponiendo por otros exactamente iguales a medida que se rompen mientras se desarrolla la acción.

La misma tiene lugar en épocas de la Segunda Guerra Mundial, con el nazismo como trasfondo de lo que ocurre en la vida del atormentado Oskar. La madre de éste, Agnes (Angela Winkler, partícipe también de "Danton" como un escaso antecedente de relieve), se debate entre su marido Alfred (el actor suizo Mario Adorf, entre cuyos créditos encontramos "El Pájaro de las Plumas de Cristal" y "La Desobediencia") -un individuo rústico y limitado que simpatiza con los nazis-, y su propio primo Jan (el intérprete polaco Daniel Olbrychski, que es quien presenta los mejores pergaminos dentro del elenco: "Bolero", "Rosa Luxemburgo", "La Insoportable Levedad del Ser" y la muy reciente "Salt"), de quien se supone que es el verdadero padre de Oskar. Aquí vale remarcar que la relación entre ambos hombres es muy buena, pese al hecho descripto.

Como mencionamos, el niño crecerá en edad a lo largo del metraje hasta llegar a la adolescencia, pero esto no se verá reflejado en su apariencia, que continuará siendo la de un pequeño infante, atormentado por su grave visión del mundo, aferrado a su tambor -el cual sostiene junto a él contra viento y marea-; y que también es poseedor del extraño don de destruír cristales por medio de un chillido híper agudo que emiten sus cuerdas vocales, especialmente cuando se enoja porque alguien pretende que deje de hacer sonar su tambor de hojalata.

Honestamente, esta obra del muy reconocido cineasta alemán Volker Schlondorff ("La Guerra y la Paz", "El Gran Amor de Swann", "Muerte de un Viajante"), me pareció demasiado sobrevaluada. No hay una trama argumental excepcional que merezca tan buenos adjetivos, ni tampoco un tratamiento de las imágenes inolvidable... La acción no es tal, sino que debido a su gran extensión, la película se hace lenta y tediosa. No parece estar del todo claro hacia dónde se dirige el personaje central, y si lo está, igualmente todo va sumergiendo al espectador en un letargo del cual -al menos quien escribe- no se puede escapar. Y a medida que el filme avanza, este hecho -lejos de corregirse- se acentúa.

Después de treinta años de escuchar y leer cómo se le adjudicaban elogiosos adjetivos, esperaba muchísimo más de "El Tambor". En cambio, me dejó tan sólo la endeble satisfacción de haberla visto y analizado al fin, pero quedándome la sensación de que podría haber empleado mejor mi tiempo dedicándome a otra cosa.

Título: "Die Blechtrommel" ("El Tambor")
Año: 1979
Origen: Alemania Oriental, Francia, Polonia, Yugoslavia
Director: Volker Schlondorff
Principales intérpretes: David Bennent, Mario Adorf y Angela Winkler.
Duración: 142 minutos
Calificación: 5 puntos

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Cuerno de Cabra (1972)

2010-09-03T14:16:00.000-07:00

Crudísima y brutal película de origen búlgaro -cine muy poco visto por estas tierras-, que supo causar revuelo cuando se estrenó en Argentina, hace poco menos de cuarenta años atrás.

Con fotografía original en blanco y negro, ausencia casi total de banda sonora (a excepción de algunos cánticos a cargo de cristalinas voces femeninas, que nos transmiten una fuerte sensación de desolación), y la visceralidad y realismo de sus imágenes, ver "Cuerno de Cabra" se transforma en una experiencia difícil de digerir.

La historia de centra en Bulgaria durante el Siglo XVIII, en épocas de dominación del Imperio Otomano. Karaivan (Anton Gorchev, nacido en Sofía en 1939, y fallecido en 2000) es un pastor que vive feliz con su esposa y su hija María (Katya Paskaleva -1945/2002- es la actriz, también búlgara, que protagoniza ambos roles, en la primera y segunda parte de la filmación), en una granja alejada de la civilización. Una noche, siendo que Karaivan se ha alejado hacia los montes para llevar a sus cabras a pastar, cinco energúmenos de origen turco irrumpen en su hogar, sorprendiendo a su esposa, violándola y matándola frente a los desesperados ojos de la pequeña María.

Al enterarse de este desastroso hecho, Karaivan tomará una decisión que marcará definitivamente la vida de su hija: enceguecido por el dolor, quema su propia casa con el cuerpo de su infortunada esposa dentro, y se lleva a María a una cabaña en las altas montañas, una especie de chacra donde acostumbraba llevar a sus animales. Una vez allí, aislará a María de todo contacto con la humanidad, tratando de transformarla en un hombre ("Este no es un mundo para mujeres", le repetirá) y entrenándola con máximo rigor y dureza en las lides de la lucha cuerpo a cuerpo.

Los objetivos de este perfeccionamiento en el combate son dos: primero, que a María nunca le ocurra lo mismo que a su madre; y segundo, llevar a cabo una sangrienta venganza contra los sanguinarios victimarios de su esposa. A cada muerte que se vaya sucediendo a manos de ambos, quedará en el lugar de los hechos un cuerno de cabra como silencioso testigo.

Lo que Karaivan no podrá evitar es que los naturales instintos femeninos de María afloren en determinados momentos, y éstos serán los que conduzcan a los infortunados protagonistas a un final cargado de hondo e intenso dramatismo.

El film no ofrece concesiones: los atormentados personajes viven casi toda la acción sumergidos en un violento e intenso drama. Es muy buena la actuación de Anton Gorchev en el rol de Karaivan, un individuo que se debate entre el profundo amor hacia su hija, la desesperación porque nada malo le pase a manos de ningún hombre, y un notable rasgo de crueldad motivado por el dolor y la angustia ante lo sucedido. Un ejemplo de su impiadoso accionar es cuando deguella a un pequeño cabrito blanco -el favorito de María- ante los ojos de ella, quien rompe en desconsolado llanto. No conforme con eso, Karaivan obliga a María a desollar el cuerpo del animal.

Es también muy lograda la labor actoral de Katya Paskaleva, quien se ve obligada a dotar a su María de toda la tristeza, rencor y angustia posibles. La existencia de la joven está signada por la sinrazón y la locura, y la extinta actriz búlgara logra componer a la perfección las características de su personaje. Paskaleva y Gorchev son los dos únicos intérpretes que cumplen un rol importante en el film, el cual contiene muy pocos diálogos.

Finalmente, si nos toca analizar la labor del director Metodi Andonov, debemos decir que le confiere una férrea disciplina al ánimo del espectador... "Cuerno de Cabra" está desprovista de momentos de candor y poesía, y en los pocos en los que parece fluír, rápidamente quedan sepultados por el lúgubre desarrollo de la acción; la cual no da respiro al tiempo de tratar con dureza al corazón de quien ve el filme.

Andonov filmó solamente cuatro títulos durante su fugaz trabajo como director cinematográfico, repartidos entre 1968 y 1973. "Cuerno de Cabra" vió la luz dos años antes de que Andonov falleciera, en Sofía, a la joven edad de 44 años.

Difícil recomendarles que vean "Cuerno de Cabra" si sus corazones son demasiado sensibles, o si buscan pasar un grato momento frente a la pantalla. Esta obra es un cúmulo de desesperanzas y sensaciones amargas, pero transmite a las claras los rasgos más extremos de la naturaleza humana.

Título: "Kozijat Rog" ("Cuerno de Cabra")
Año: 1972
Origen: Bulgaria
Director: Metodi Andonov
Principales intérpretes: Katya Paskaleva, Anton Gorchev y Nevena Andonova.
Duración: 105 minutos
Calificación: 8 puntos

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

La Fuente de la Doncella (1959)

2010-08-24T16:29:00.000-07:00

Otra de las realizaciones que dejó una fuerte marca en los recuerdos cinematográficos de la adolescencia de quien escribe... Digo adolescencia, porque debo haber visto esta película allá por 1984, una vez finalizado el gobierno de facto en Argentina. Y por ende, unos veinticinco años después de haberse filmado.

La crudeza de sus imágenes y su maravillosa fotografía en blanco y negro, sumados a una edad en la cual muchas memorias quedan impregnadas, por distintos motivos, permitieron que "La Fuente de la Doncella" (también conocida como "El Manantial de la Doncella" en otros países de habla hispana), genial obra de arte del inmortal director sueco Ingmar Bergman, unánimemente reconocido como uno de los mejores cineastas de todos los tiempos, permaneciera grabada a fuego en mi mente pese al paso de más de medio siglo desde que fuera creada!

La historia es simple, pero a la vez poseedora de un vigor visceral. "La Fuente de la Doncella" se ambienta en Suecia, durante el transcurso del siglo XIV. Karin (la actriz sueca Birgitta Petterson, quien solamente ha filmado ocho películas, aunque la última de ellas remite a muchos años después que la que nos ocupa, en 1997) es la hija virgen y adolescente de una pareja con fuertísimas convicciones religiosas, conformada por Tore (el imponente y maravilloso Max Von Sydow -partícipe de "El Exorcista", "Flash Gordon", "Conan el Bárbaro", "Duna" y "Hannah y sus Hermanas", entre otras grandes obras, hasta llegar a la reciente versión de "Robin Hood"-, quien ha cumplido 81 años en el pasado abril) y Mareta (rol interpretado por Birgitta Valberg, nacida en Estocolmo en 1916).

Es precisamente el cumplimiento de un ritual religioso el que desatará el profundo drama que se transformará en el eje argumental de la historia: Tore solicita a Karin que en el día de la conmemoración de la Vírgen durante la Semana Santa, viaje a caballo desde su granja hacia el pobladío -a través del bosque-, para llevar un presente hasta la iglesia. Para cumplir con tal solicitud, Karin parte acompañada por su media hermana Ingeri (Gunnel Lindblom, a quien hemos visto recientemente en la excelente "Los Hombres que no Amaban a las Mujeres", luego de casi una década sin filmar), la cual adora en secreto a los antiguos dioses paganos escandinavos (Odín, concretamente), a quienes les ruega que hagan caer en desgracia a la virginal Karin, a quien odia y desprecia. Ingeri espera un hijo bastardo, lo cual ha contribuído a escandalizar a su madre adoptiva Mareta.

Durante la travesía, Ingeri se aparta de Karin, quien se verá interceptada por tres harapientos y lúgubres pastores (Axel Duberg, Tor Isedal y Ove Porath, cuya única incursión cinematográfica ha sido este film), quienes procederán a violarla (en una escena de extrema crudeza), a darle muerte, y posteriormente a robarle sus costosos ropajes. Todo este aberrante hecho es observado por Ingeri desde un escondite, sin que haga nada por ayudar a su media hermana.

El destino cruzará luego a los siniestros pastores con Tore y Mareta, a cuyo hogar llegarán para solicitar comida y refugio de la helada noche invernal. Su gran error se producirá cuando intenten venderle a Mareta las ropas de la infortunada Karin, argumentándole que pertenecían a una hermana fallecida. Esto desatará la furia e implacable venganza de Tore, durante la cual también asistiremos a un pasaje de inusual violencia.

De más está aclarar que el clima sórdido y agobiante del film es una de sus más notables características. La carencia casi total de banda sonora, los parlamentos en sueco y la ambientación en la solitaria granja en plena Escandinavia del siglo XIV y en sus bosques circundantes, genera en el espectador un viaje ineludible hacia antiguas costumbres enmarcadas en remotos parajes.

La dirección, a cargo del enorme genio de Bergman (responsable de "El Séptimo Sello", "El Huevo de la Serpiente", "Fanny & Alexander", etc.) es -obviamente- magistral, creando una obra maestra desde la base de un simplísimo pero muy sólido argumento.

Las labores actorales son bellísimas, especialmente en lo que atañe a los personajes de Birgitta Valberg (Mareta), Gunnel Lindblom (Ingeri) y el mismísimo Max Von Sydow (Tore). Este trío central brindan a sus roles de una gran fuerza y pasión interpretativa.

Como datos complementarios, debemos mencionar que "La Fuente de la Doncella" ganó los premios Oscar y Golden Globe en el año 1961, en el rubro "Mejor Film Extranjero"; e Ingmar Bergman obtuvo una mención especial por este filme en el prestigioso Festival de Cannes de 1960. Condecoraciones que hablan por sí solas del valor de esta preciosa obra.

Totalmente recomendable para aquéllos amantes del Séptimo Arte que busquen emociones alejadas de los parámetros del cine moderno y comercial; y que disfruten de una puesta en escena cuidadosamente artesanal, al punto de transportar al espectador en un fantástico viaje de más de seiscientos años hacia atrás en el tiempo.

Título: "Jungfrukallan" ("La Fuente de la Doncella")
Año: 1959
Origen: Suecia
Director: Ingmar Bergman
Principales intérpretes: Max Von Sydow, Birgitta Valberg y Gunnel Lindblom.
Duración: 89 minutos
Calificación: 9 puntos

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Hellboy II: El Ejército Dorado

2010-08-13T10:15:00.000-07:00

Interesante secuela del aún más interesante film del año 2004, especialmente desde el punto de vista del plato fuerte que proponen esta clase de producciones: el aspecto visual.

Nuevamente encarnado por el experimentado actor neoyorquino Ron Perlman (intérprete de grandes clásicos como "La Guerra del Fuego", "El Nombre de la Rosa" o "Alien: Resurrección"), retornan las aventuras del pétreo personaje rojizo del título: el del carácter temible, la fortaleza física casi incomparable y la prodigiosa mano gigante capaz de destruír a cuanto oponente ose interferir en su camino o sus ideas.

En esta segunda parte, el argumento gira en torno a una raza de místicos elfos albinos, comandados por el Príncipe Nuada (rol encarnado por el inglés Luke Goss, entre cuyos escasos antecedentes encontramos su participación en "Blade II" y algún capítulo de la serie televisiva "Fringe"), quienes revivirán una antigua guerra contra los humanos, para liberarse de la decadencia y opresión de éstos. Para tal fin, decidirá valerse del Ejército Dorado del título, una invencible armada de poderosos e indestructibles guerreros mecánicos, creada por su padre el Rey Balor (el veteranísimo actor británico Roy Dotrice) en tiempos remotos, los cuales yacen en una especie de exilio en algún oculto lugar en Irlanda.

Obviamente, el héroe rojizo deberá involucrarse en la lucha contra el Príncipe Nuada, a fin de impedir que el letal Ejército Dorado desate su incontenible poder sobre la raza humana, acto que finalizaría con un total exterminio de la misma, dadas las características de invulnerabilidad de estos enormes soldados mecánicos.

Junto a Hellboy estarán nuevamente su amada Liz (Selma Blair, protagonista también de la primer "Hellboy", como asimismo de "Legalmente Rubia" o "La Niebla"), su lugarteniente Abe (Doug Jones: "Batman Regresa", "Hombres de Negro II", "Doom") y el poco apreciado jefe Manning (Jeffrey Tambor). A este singular combo se les agregarán una suerte de científico reducido a una forma de ente gaseoso dentro de una escafandra (la galería de personajes que desfilan a lo largo del film son simplemente increíbles!) llamado Johann Krauss (John Alexander) y la hermana del Príncipe Nuada, la Princesa Nuala (valga la redundancia!), graciosamente interpretada por la actriz inglesa Anna Walton. Cabe aclarar que Nuala se muestra en absoluta disidencia con el modo de pensar de su belicoso hermano.

Desde el punto de vista visual, por supuesto que esta secuela es tan o más imponente que su predecesora. A modo de ejemplo, basta ver la secuencia que se desarrolla en el Troll Market, y sólo cabe asombrarse ante tamaño derroche de imaginación, puesto de manifiesto en la galería de personajes que allí podemos ver.

Pero la trama argumental y el desarrollo de la misma nos pareció un tanto menos atractiva que aquélla "Hellboy" del 2004, haciendo demasiado hincapié en intrascendentes cuestiones alegóricas a la intimidad de los personajes, tales como la conflictiva relación de convivencia entre Hellboy y Liz, o el amor que la Princesa Nuala despierta en el anfibio Abe.

Tampoco pueden destacarse en demasía las labores actorales, porque el estilo de película no deja mucho margen de acción para el lucimiento de los intérpretes. Ron Perlman le dota a Hellboy de su gran presencia física y carisma, y poco más hay por destacar en este rubro. Quizás mencionar al caractér de la Princesa Nuala, a quien Anna Walton le otorga una sensibilidad que excede las características fantásticas de la mencionada.

La dirección está a cargo del mexicano Guillermo del Toro, también responsable de la primera entrega.

Para resumir: siempre es divertido ver esta clase de producciones, dado que proporcionan entretenimiento asegurado y rara vez defraudan, especialmente porque lo único que se espera de ellas es precisamente eso.

Título: "Hellboy II: The Golden Army" ("Hellboy II: El Ejército Dorado")
Año: 2008
Origen: Estados Unidos / Alemania
Director: Guillermo del Toro
Principales intérpretes: Ron Perlman, Selma Blair, Doug Jones y Anna Walton.
Duración: 120 minutos
Calificación: 7 puntos.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Nosferatu (1979)

2010-08-05T10:00:00.000-07:00

Sin lugar a dudas, uno de los films preferidos de quien escribe, cómodamente instalado en el top five de las mejores películas que he visto en mi vida. O que más me han gustado, al menos. De hecho, no pude disfrutar de la magia de la versión original -la del año 1922, dirigida por F.W. Murnau y estelarizada por el exótico Max Schreck-, del mismo modo en que lo he hecho con esta remake, la cual he visto mínimamente una decena de veces.

La historia es por demás conocida: el viaje del agente
inmobiliario Jonathan Harker (interpretado por el gran actor suizo Bruno Ganz, a quien hemos apreciado en clásicos como "Los Niños del Brasil", "La Dama de las Camelias", o más recientemente en su imponente personificación de Adolf Hitler en "La Caída") desde la ciudad de Wismar (en Alemania) hasta Transylvania, situada en medio de los Montes Cárpatos. El motivo de tal travesía: ofrecerle al siniestro Conde Drácula (el maravilloso Klaus Kinski, también disfrutable en joyas como "Doctor Zhivago", "Aguirre: la Ira de Dios" o "Fitzcarraldo") una mansión para comprar en Wismar.

Con tal objetivo entre manos, tras despedirse de su esposa Lucy (la fascinante actriz gala Isabelle Adjani, a quien hemos admirado -profundamente...!- en "Verano Caliente" -"Un Verano Mortal", sería la correcta traducción-, "Camille Claudel" o "Diabólique"), a la que Adjani le imprime su única e inimitable espectral palidez helada!, Jonathan se dirige a caballo en este largo viaje, el cual le toma varios días llevar a cabo.

Al llegar al lúgubre y fantasmal castillo en los Cárpatos, se enfrentará a la siniestra abominación encarnada magistralmente por Kinski, donde asistiremos a algunas de las escenas más oscuras y tenebrosas de la historia del cine de terror, tal como aquélla en la que el Conde le susurra a Jonathan en medio de la soledad y el silencio nocturno de los Cárpatos, solamente alterados por el lastimero llanto de los lobos en las afueras del ruinoso castillo... Simplemente, uno de los mejores momentos que el Séptimo Arte nos ha brindado a los amantes del cine más terrorífico.

La acción proseguirá luego con el descubrimiento de la belleza de Lucy a manos del Conde, tras ver un pequeño retrato que Jonathan lleva consigo; y la posterior obsesión por ir en su búsqueda hasta Wismar, adonde llegará en un barco completamente infestado de ratas, las cuales diseminarán la peste por esa región de Europa... De más está decir que toda esta porción del filme está atiborrada de escenas inolvidables, enmarcadas en una fotografía sencillamente alucinante: por sólo citar un ejemplo, el arribo del barco al puerto de Wismar, tan sólo tripulado por su capitán -muerto- y amarrado al timón, más una infinidad de roedores que rápidamente comienzan a diseminarse por la ciudad, es sumamente impresionante. En realidad, casi toda esta realización lo es, por lo cual no tiene mucho sentido describir tal o cual pasaje, este film es arte puro y absoluto en su más oscura expresión; de visión indispensable para cualquier amante no sólo del género de terror, sino del cine en general.

No hay palabras para describir las labores actorales de la "pareja central", el polaco Klaus Kinski y la francesa Isabelle Adjani...: ambos en sus respectivos roles antagónicos, dotan a sus personajes de una magnífica y absoluta belleza, a nuestro modesto entender nunca igualada en ninguna otra producción del estilo. Todo elogio es escaso si de ellos dos se trata.

El trabajo del histórico director alemán Werner Herzog ("Aguirre: la Ira de Dios", "El Enigma de Kaspar Hauser", "Fitzcarraldo") es impecable, logrando la ambientación más atmosférica posible, pletórica de depresión, oscuridad y tristeza; a lo cual colabora la descomunal banda sonora del filme, a cargo de Popol Vuh: ambiental, opresiva, asfixiante.

En síntesis: desde nuestra óptica, una de las más fantásticas expresiones del arte cinematográfico de todos los tiempos... Cómo no recomendarla efusivamente?

Título: "Nosferatu: Phantom der Nacht" ("Nosferatu")
Año: 1979
Origen: Alemania / Francia
Director: Werner Herzog
Principales intérpretes: Klaus Kinski, Isabelle Adjani y Bruno Ganz.
Duración: 107 minutos
Calificación: 10 puntos!

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Diabólicas

2010-07-11T16:54:00.000-07:00

Remake americana de un aclamado film francés de 1955 ("Les Diaboliques", estelarizado por Simone Signoret), este "Diabólicas" (también conocido como "Diabolique"), del año 1996, me ha encantado ya desde la primera vez que la ví, varios años atrás, en formato VHS. Habiendo conseguido ahora la versión DVD y pese al tiempo transcurrido, el efecto ha sido bastante similar. Debo admitir que la participación de una actriz fetiche de mi adolescencia, la francesa Isabelle Adjani (a quien hemos idolatrado en "Nosferatu el Vampiro", "Un Verano Mortal" -erróneamente titulada en Argentina como "Verano Caliente"- o "Camille Claudel"), tiene algo que ver con ello.

La trama gira en torno a un sórdido asesinato llevado a cabo por dos mujeres; en este caso del marido de una de ellas, y al mismo tiempo amante de la otra. Este hecho en pleno conocimiento de ambas, vale aclararlo.

Mía Barán (Isabelle Adjani) es la co-directora de un establecimiento educativo de alta alcurnia. Es una mujer frágil y enferma (con problemas cardíacos), maltratada y chantajeada económicamente por su esposo, Guy Barán (Chazz Palminteri, entre cuyos trabajos encontramos "Jade", "Push" o "Jolene"), co-director del colegio, un individuo abusivo y sádico. El trío central se completa con la profesora Nicole Horner (interpretada por la ultra famosa Sharon Stone, estrella de "Las Minas del Rey Salomón", "Bajos Instintos", "Rápida y Mortal" y "Gatúbela", entre muchas otras), quien es la tercera en discordia y amante del mencionado sujeto, y que algunas veces también soporta violencia física a manos del mismo.

Hartas de las actitudes de Barán, su esposa y su amante proceden a hurdir el plan para eliminarlo, lo cual finalmente consiguen (o creen conseguir?) ahogándolo en una bañera. No sin esfuerzo, logran extraer el cadáver de la casa y lo llevan hasta el predio escolar, donde deciden ocultarlo en la pileta del lugar, que es bastante grande y para esa época del año está llena de agua turbia y sucia, la cual supuestamente ocultará el cuerpo por espacio de un par de días, hasta que éste emerja naturalmente a la superficie. La idea de las asesinas es mostrarse consternadas por la desaparición de Barán, y que finalmente la justicia crea que murió ahogado al caer borracho en la pileta.

Todo se complicará cuando el cadáver de Barán no sea hallado en el interior de dicha pileta, y su esposa comience a recibir inquietantes señales de que aún está con vida. De allí hasta el final, el argumento nos mostrará un par de vueltas de tuerca que contribuyen a fortalecer el buen guión.

Es muy lograda la labor actoral del trío principal: Stone en su rol de amante decepcionada y mujer avasallante a la vez, dueña de un fuerte carácter que contrasta con la notable debilidad emocional y fragilidad física de la subyugante Adjani. La francesa es dueña de una de las miradas más sugestivas y expresivas del cine de todos los tiempos, y su rostro debe ser el más apto que hayamos visto para adecuarse al sentimiento de sufrimiento y tristeza.
Palminteri también aparece como muy convincente en su rol de marido y amante, desconsiderado y cruel.

A nuestro juicio (contrario al de varias críticas que tuvimos oportunidad de leer), el trabajo del director canadiense Jeremiah Chechik ("Los Vengadores") es bueno y ayuda a hacer de "Diabólicas" una película con muy buen suspenso, enmarcada en un ambiente oscuro y opresivo. La atmósfera de los años 50' está óptimamente recreada, y la sugestiva fotografía realza el hábitat donde se desarrolla la acción.

En suma, "Diabólicas" nos ha parecido un thriller altamente recomendable, sin pretender que esté a la altura de la versión original, pero atrapando al espectador por méritos propios.

Título: Diabolique - Diabólicas
Año: 1996
Origen: Estados Unidos
Director: Jeremiah Chechik
Principales intérpretes: Sharon Stone, Isabelle Adjani, Chazz Palminteri y Kathy Bates
Duración: 107 minutos
Calificación: 9 puntos.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Misión: Imposible II

2010-07-06T19:08:00.000-07:00

Realmente nunca le había dado demasiada bolilla a estas remakes cinematográficas de la vieja serie de los dorados 60's. Pasándolas en limpio, la primera de ellas fué filmada en 1996, ésta que nos ocupa en 2000, la tercera devino en 2006, y actualmente se encuentra en fase de pre-producción la cuarta parte de la saga, prevista para 2011. Siempre con el carilindo Tom Cruise a cargo del rol principal, el del espía Ethan Hunt. Además de ocuparse -al menos en ésta segunda entrega que vimos tardíamente en formato DVD- de labores de producción.

La acción -totalmente independiente de la primera parte- nos muestra a un grupo de inescrupulosos individuos, liderados por un agente secreto renegado, Sean Ambrose (rol jugado por el escocés Dougray Scott: "Otras Nueve Semanas y Media", "Agua Turbia", "Amas de Casa Desesperadas"), apoderándose de un virus letal denominado "Quimera" -que tiene la mortal facultad de exterminar a un ser humano en poco más de un día-, y de su antídoto (denominado "Belerafonte"). Los sujetos planean hacer dinero a gran escala diseminando la enfermedad, para posteriormente poder comercializar el antídoto.

Aquí es cuando es convocado el mejor espía del orbe, Ethan Hunt, quien se asociará a una ladrona sumamente avezada (y ex amante de Ambrose, de la cual él está perdidamente enamorado) llamada Nyah Nordoff Hall (papel protagónico a cargo de la subyugante actriz inglesa Thandie Newton, a quien vimos en "Entrevista con el Vampiro", "La Verdad Acerca de Charlie", "Las Crónicas de Riddick" o la reciente "2012"). Ambos procurarán llegar a la destrucción del virus Quimera y la posterior aprehensión del espía desertor.

Esta remake de la antigua serie de TV respeta algunos slogans y clichés de la misma, tal como la escena en la que le son enviadas sus instrucciones (al principio de la acción) a Hunt, a quién se le advertirá que "el mensaje se autodestruirá en cinco segundos" posteriormente a su comunicación. Sólo que en vez de ser una vieja grabación en cinta, dicho mensaje le llega al agente a través de unos modernísimos anteojos, con imágenes incluídas.

La recordada y famosísima música creada por el gran compositor argentino Lalo Schiffrin se encuentra -obviamente- presente (Qué gran error hubiese sido cambiarla, no?), en una versión también adaptada a estos tiempos por Hans Zimmer.

La película es en sí muy entretenida, aunque carece de la magia de la vieja serie, dado que aquí se le dá prioridad a mostrar las exageradas habilidades de Ethan Hunt, puestas de manifiesto en alocadas acciones repletas de efectos especiales y escaso sentimiento.

Los actores juegan correctamente sus papeles, los cuales no exigen grandes capacidades interpretativas. Thandie Newton aporta belleza y exótica sensualidad, aunque un rostro no del todo expresivo. Para Tom Cruise, dá la sensación de que es tan sólo un mero trámite ponerse en la piel de Ethan Hunt.

La dirección está a cargo del chino John Woo, responsable de pocas obras reconocidas ("Hard Target: Operación Cacería", probablemente una de ellas). Su trabajo no pasa de discreto, al menos desde nuestra óptica. El desenfreno de la acción le quita peso y efecto al producto final.

Resumiendo: sólo recomendable para los amantes del entretenimiento fácil y superficial, que busquen nada más que pasar un par de horas amenas dentro de una sala, o frente a un reproductor de DVDs.

Título: Mission: Impossible II - Misión: Imposible II
Año: 2000
Origen: Estados Unidos / Alemania
Director: John Woo
Principales intérpretes: Tom Cruise, Thandie Newton y Dougray Scott.
Duración: 123 minutos
Calificación: 7 puntos.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

La Guerra del Fuego

2010-06-29T19:20:00.000-07:00

Quien les escribe tenía en 1982 la jovial edad de quince años. A la incipiente fascinación por el Heavy Metal a partir de la guerra de Malvinas, le añadía una pasión enorme por el cine (con mis amigos solíamos ir hasta tres veces por semana a las tres salas que por aquél entonces mantenía nuestra ciudad natal de Chivilcoy!). Dicha pasión por el séptimo arte se acrecentaba cuando surgía alguna película fuera de lo común para ir a ver: jamás fallábamos.

Pues bien, este film que nos ocupa ahora, entra sin dudas en la categoría de "fuera de lo común": difícil de catalogar, y aunque no pertenece al cine mudo, tampoco cuenta con el don de la palabra. Recuerdo haber leído la crítica de su estreno en el viejo Diario La Razón (de Buenos Aires), la cual venía acompañada por una imagen de la primera actriz, la canadiense Rae Dawn Chong, caracterizada como un músico Black Metal de la actualidad: el flechazo fué instantáneo. "Tengo que ver esta película a como dé lugar", me dije en aquél entonces, dudando porque no todos los estrenos que pasaban por las salas capitalinas, llegaban a Chivilcoy.

Finalmente lo logré, y tras aquélla función cinematográfica, volví a verla varias veces más (seis o siete, seguro... y jamás me aburrió!) en formato DVD. La última de ellas, hace pocos días. De ahí la decisión de comentarla aquí.

Ambientada nada más ni nada menos que 80.000 años atrás (si, 80.000!!), el film muestra las peripecias de una tribu sumamente primitiva (Neanderthales?), que desconocen cómo encender el fuego. Mantienen desde siempre, llamas -encendidas quién sabe por qué causal original- ardiendo, que les permiten sobrevivir en un mundo frío (y totalmente hostil); pero ignoran cómo encenderlas por sus propios medios.
Un día -tras un desafortunado combate contra otra tribu de características aún más simiescas-, pierden el ardor de esas llamas que les brindaban calor.

Es allí cuando tres integrantes del clan, personificados por Everett McGill ("Duna", "La Gente Detrás de las Paredes"), el hoy muy popular Ron Perlman ("El Nombre de la Rosa", "Alien: Resurrección", "Hellboy") y Nameer El-Kadi (quien hoy en día ha cambiado su nombre por el de Nicholas Kadi), son enviados a recorrer vastos territorios rodeados de peligros, para traer de vuelta el fuego a la tribu.

Los tres cavernícolas se toparán en dicho viaje con numerosos riesgos: animales prehistóricos (es muy lograda la escena en la cual escapan de dos tigres Sable hambrientos), clanes caníbales, mamuts, y hasta la traición de algunos de sus propios compañeros de hogar.

También se encontrarán con otros individuos más desarrollados y adaptados (Cro Magnons?), quienes sí conocen el método para encender el anhelado elemento que les falta a los protagonistas.

El tratamiento del guión es brillante, y la dirección del francés Jean-Jacques Annaud ("El Nombre de la Rosa", "El Oso", "Siete Años en el Tíbet") es simplemente magistral. Conduce a los tres hombres primitivos en medio de la crudeza prehistórica, sin perder nunca su cuota de humor.
Los escenarios naturales de Escocia, Islandia, Canadá y Kenia son majestuosos, entregando una imagen de notable soledad, tal cual debieron ser aquéllas épocas perdidas en el tiempo.
Cabe mencionar además, que La Guerra del Fuego ganó un premio Oscar al mejor maquillaje.

Los actores entregan todo de sí, en la difícil tarea de dar vida a personajes cuyos diálogos son gruñidos ininteligibles. Es decir que deben valerse de gestos, ademanes y expresiones faciales para darse a entender. Y sin dudas lo logran. Cabe como ejemplo el momento en el que Naoh (Everett McGill) descubre cómo se enciende el anhelado fuego... pocas veces hemos visto tanta expresividad (mezcla de sorpresa y alegría) en el rostro de un actor.

La banda sonora también cumple un rol destacado, apareciendo en los pasajes cúlmines de la acción.

En resumen, casi una obra maestra del cine, que en su momento no a todos agradó, quizás por la dificultad que presupone seguir una acción donde no hay palabras de por medio. Pero que en mi humilde opinión, La Guerra del Fuego no las necesita.

Título: Quest For Fire - La Guerra del Fuego
Año: 1981
Origen: Canadá / Francia / Estados Unidos
Director: Jean-Jacques Annaud
Principales intérpretes: Everett McGill, Ron Perlman, Rae Dawn Chong y Nameer El-Kadi.
Duración: 100 minutos
Calificación: 9 puntos.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Los Hombres Que No Amaban A Las Mujeres

2010-06-23T19:50:00.000-07:00

Siempre es un placer poder ver películas procedentes de países no tradicionales en este arte, tal como el caso que nos ocupa ahora: una co-producción entre Suecia, Dinamarca, Noruega y Alemania.

"Los Hombres Que No Amaban A Las Mujeres" es la primera parte de una trilogía denominada "Millennium", creada por el extinto escritor sueco Stieg Larsson, que se transformó en un suceso mundial tras el fallecimiento de su autor, acaecido durante el año 2004.

La trama nos muestra a una singular protagonista: Lisbeth Salander (encarnada por una pétrea Noomi Rapace): hacker, dark/after punk, bisexual, mujer torturada por su pasado, poseedora de un carácter glacial.
En el principal rol masculino, la acompaña un periodista de renombre, Mikael Blomkvist (jugado por el actor sueco Michael Nyqvist). Juntos intentarán desentrañar el supuesto crimen y desaparición de una joven aristócrata, acontecido cuatro décadas atrás, tras ser contratados por un tío de la misma. En medio de esta búsqueda, se enfrentarán al clan familiar de la infortunada, quienes presentan características que los vinculan a grupos neonazis.

La acción se desarrolla con dureza y contundencia, por momentos, extremas. Y toda esa extremidad la va aportando Lisbeth, quien sufre emocionalmente por nefastos recuerdos de su infancia, y que ha pasado parte de su vida en un reformatorio juvenil.
La joven hacker padece el oprobio de ser sometida sexualmente por su tutor legal, el encargado de velar por su buena conducta y su reinserción social. Hay un par de violentísimas escenas jugadas entre Lisbeth y este despreciable sujeto, que suman mucho para la referida contundencia del film, y sirven para mostrar plenamente las facultades del personaje femenino central.

La trama se va desenredando enmarcada en un helado territorio sueco, y las imágenes son sencillamente fascinantes. La fotografía alucina, y adorna perfectamente lo que va aconteciendo en el guión. Este posee un par de buenas vueltas de tuerca, cosa que deleitará a los seguidores del cine de suspenso.

La labor actoral es muy atinada, aunque Noomi Rapace aparece un tanto sobreactuada por momentos. De todos modos, le imprime tremenda fuerza a Lisbeth Salander (Otra buena prueba de ello es la secuencia en el subte, cuando la hacker se enfrenta -sola- a una patota que la golpea con salvajismo, pero que finalmente termina huyendo ante la descontrolada reacción de la feroz darky).

Michael Nyqvist compone convincentemente al periodista, que ha sido sentenciado a unos meses de prisión en suspenso por difamar a un reconocido empresario, otorgándole naturalidad y credibilidad a su personaje.

Esperamos poder ver pronto la segunda parte de esta saga, que indudablemente ha correspondido a las excelentes críticas recibidas en distintas ciudades del orbe, incluída Buenos Aires. Con una duración extensa (dos horas y media), en ningún momento permite que miremos el reloj, lo cual ya de por sí constituye un alto mérito. Totalmente recomendable.

Título: Män Som Hatar Kvinnor - Los Hombres Que No Amaban A Las Mujeres
Año: 2009
Origen: Suecia / Dinamarca / Noruega / Alemania
Director: Niels Oplev
Principales intérpretes: Noomi Rapace, Michael Nyqvist y Sven-Bertil Taube
Duración: 152 minutos
Calificación: 8 puntos.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

El Príncipe de Persia: las Arenas del Tiempo

2010-06-22T19:04:00.000-07:00

Título que venía precedido de regulares críticas y comentarios bastante reticentes, El Píncipe de Persia se transformó en una interesante experiencia cinematográfica. De ahí, que aquélla acertada idea de que las películas tenemos que verlas y no guiarnos por las opiniones de otros, cobre importancia una vez más.

El film es otra superproducción de los Estudios Disney, lo cual es garantía de buen espectáculo, y está dirigido por Mike Newell ("El Amor en los Tiempos del Cólera", "Harry Potter y el Cáliz de Fuego", "Cuatro Bodas y un Funeral").

Cuenta la historia de Dastan, hijo adoptivo del Rey Sharaman de Persia; de cómo es traicionado por su tío Nizam -quien busca quedarse con el trono persa-, siendo acusado del asesinato del Rey; y de cómo se embarca en una épica aventura para lograr detener al traidor y recuperar su credibilidad ante el pueblo persa, y en especial ante sus dos hermanos que sí poseen sangre real. Para ello, se involucrará con la princesa de un reino invadido por el ejército persa, quien es guardiana de una extraña daga cuya empuñadura es hueca y está provista de no menos extrañas arenas que otorgan a su portador la posibilidad de retroceder en el tiempo (?) y de cambiar el curso de la historia. Interesante facultad la de esas arenas, indudablemente.

La película es la primera de una trilogía (De allí el subtítulo "Las Arenas del Tiempo"), está basada en un videojuego, y el ritmo de la misma es verdaderamente vertiginoso. Por un lado, esto contribuye a que el espectador no tenga ni un minuto de respiro y jamás caiga en el aburrimiento; pero por otro lado creemos que le juega en contra al producto final, porque la acción carece de las necesarias pausas, o de un ritmo un tanto menos alocado, que hubiera logrado un efecto más contundente en algunas escenas y situaciones.

La ambientación está perfectamente lograda, y la fotografía también hace honor a una aventura épica cuyo escenario natural es el desierto y los antiguos palacios de Oriente. Un punto alto para destacar.

Los actores cumplen bien con sus roles, especialmente el protagonista principal, Jake Gyllenhaal ("Secreto en la Montaña", "El Día Después de Mañana"), quien le otorga simpatía y carisma al Príncipe Dastan; como asimismo el gran actor inglés Ben Kingley ("Ghandi", "La Lista de Schindler"), quien personifica correctamente al villano Nizam. El único personaje femenino de la acción (la Princesa Tamina) está a cargo de Gemma Arterton, a quien vimos hace poco en "Furia de Titanes".

En resumen: es un muy buen entretenimiento para aquellos que gusten del cine de aventuras simple y sin mayores pretensiones. Para ellos, seguramente es un producto muy recomendable.

Título: Prince of Persia: the Sands of Time - El Príncipe de Persia: las Arenas del Tiempo
Año: 2010
Origen: Estados Unidos
Director: Mike Newell
Principales intérpretes: Jake Gyllenhaal, Ben Kingsley, Gemma Arterton y Alfred Molina.
Duración: 116 minutos
Calificación: 7 puntos.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Doomsday: Juicio Final

2010-06-16T20:00:00.000-07:00

Interesante y apocalíptico film que pudimos apreciar en formato DVD, aunque con algunas excentricidades en el guión que le quitan brillo al producto final.

La historia transcurre en el Reino Unido de Gran Bretaña, durante el año 2035. Previo a esto, allá por 2008, un virus letal denominado "La Parca", azota y extermina a la población de Escocia. Dicho país británico queda confinado a una cuarentena indefinida detrás de un muro descomunal, que presenta similitudes con la Gran Muralla China.

Escocia pasa a ser un país fantasma, hasta que allá por 2035, el virus recrudece al otro lado del muro, concretamente en territorio inglés. La población empieza a experimentar los síntomas y a perecer en masa. Sin embargo, el Primer Ministro y sus inescrupulosos asesores averiguan que detrás del muro, en la olvidada Escocia, han comenzado a aparecer señales de vida... lo cual da lugar a pensar que una cura al virus es posible, y si la hay, se halla detrás de aquél paredón.

Es aquí cuando es convocada la Mayor Sinclair (la actriz inglesa Rhona Mitra (desbordante de musculatura y sex appeal), intérprete de "Underworld: Rise of the Lycans" y "Beowulf", entre otras; para que se dirija -acompañada de un minúsculo grupo de militares y científicos- a la depredada (y nuevamente muy peligrosa) zona escocesa. Sinclair es una sobreviviente de la noche en la cual se cerró definitivamente el muro, veintisiete años atrás, situación en la cual perdió un ojo de un balazo, en brazos de su madre. De hecho, el de Eden Sinclair es un personaje atormentado, quien busca señales de su pasado, y saber quién era su madre, a quien le debe su sobrevida.

La película está muy bien filmada y es sumamente violenta. El director Neil Marshall no escatima mostrar escenas duras, varias de ellas de dudoso gusto (como cuando una tanqueta aplasta y masacra a una vaca en el camino).

Los personajes que moran en la Escocia del 2035 se dividen en dos clanes: uno de ellos se agrupa bajo la figura de una especie de Punk demente y esquizofrénico; y el otro detrás de un ex científico, el cual se supone conoce la cura que busca la protagonista. En medio de abundante y desbordante acción, la lucha de Sinclair contra todos los moradores de la zona contaminada, trae reminiscencias de "Mad Max" (Muchas reminiscencias... hay una escena de persecución en una carretera que parece un calco tomado de aquél clásico del cine futurista).

Hay un momento en el film que es decididamente fatal: el líder de las pandillas Punks presenta una especie de acto de comedia musical, bailando y montando un show al ritmo de canciones ochentosas... pese a que la acción de esta secuencia finaliza con un soldado inglés quemado y devorado por estos pseudo caníbales, creemos que esta parte de "Doomsday" es por lejos, lo peor de la película. Y nos quedó demasiado grabada en nuestras retinas, por lo cual el mérito del film bajó considerablemente. Demasiado delirante y descolgado.

Las actuaciones son todo lo correctas que se pueden pedir para un film violento y sin grandes pretensiones. El histórico Malcolm McDowell ("La Naranja Mecánica", "Hospital Britannia", "Halloween", etc.) aparece en el papel del científico que lidera una suerte de comunidad medieval en la Escocia del 2035, en una performance no del todo convincente.
Rhona Mitra llena de sensualidad a la Mayor Sinclair, poniendo sus músculos en tensión en todo momento.
Y el que se lleva las palmas por su composición de Sol, el descontrolado líder Punk, es Craig Conway, entre cuyos escasos antecedentes cuenta el de haber compuesto a uno de los rastreros monstruos subterráneos en la inquietante "The Descent", en 2005.

En resumen: vale la pena verla, porque es muy entretenida y no cae en baches de aburrimiento. Si sos fan de Rhona Mitra, más aún. Aunque no es un film que vaya a cambiar la vida de nadie, claro está.

Título: Doomsday (Juicio Final)
Año: 2008
Origen: Reino Unido / Estados Unidos
Director: Neil Marshall
Principales intérpretes: Rhona Mitra, Malcolm McDowell y Bob Hoskins
Duración: 113 minutos
Calificación: 7 puntos

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-

Robin Hood

2010-06-11T14:35:00.000-07:00

Gratísima experiencia resultó la de ir a ver esta gran producción del reconocido y exitoso director Ridley Scott ("Cruzada", "Hannibal", "Gladiador", etc.), que cuenta con Russell Crowe, Cate Blanchett (foto) y el mítico Max Von Sydow en sus roles principales.

El film, a diferencia de antiguas versiones acerca del legendario bandolero de los bosques de Sherwood, no es para nada naíf. La acción transcurre desde el momento en que Robin Longstride (Russell Crowe, obviamente) es un soldado al servicio de las huestes del Rey Ricardo Corazón de León, y continúa desarrollándose cuando el eximio arquero inglés toma la identidad de Sir Robert de Locksley, asesinado en una emboscada por el traidor a la Corona, Godfrey (rol jugado por Mark Strong).

La película es abundante en dureza y violencia, aunque sin perder de vista el toque de humor necesario. Las escenas de batallas y combates están brillantemente logradas, especialmente la del desembarco de las tropas del Rey Felipe de Francia, las cuales se traban en una sangrienta refriega con los Caballeros ingleses que defienden la endeble posición del Rey Juan en su trono.

Se destacan muy especialmente las preciosas caracterizaciones de Max Von Sydow (que recientemente acaba de cumplir 81 años!) en el papel de Sir Walter Locksley, quien toma a Robin como su propio hijo, tras el asesinato de aquél; de la subyugante australiana Cate Blanchett ("El Curioso Caso de Benjamin Button", "Indiana Jones & el Reino de la Calavera de Cristal", "El Aviador", etc.) encarnando a Lady Marion; y porqué no, de Oscar Isaac, quien le da vida a un patético y lamentable Rey Juan de Inglaterra.

La fotografía está a la altura de las interpretaciones y del director, la cual hará las delicias de los amantes de las viejas historias enmarcadas en castillos y bosques sombríos.

A la salida del cine nos preguntábamos acerca de la veracidad histórica del personaje de Robin Hood, quien sin duda ha sido alimentado por una leyenda que ha de haberse magnificado y agrandado, generación tras generación. Lo indudable es que la película merece ser vista -sin dudar-, y se ha transformado en la mejor versión de este romántico proscripto británico, de todas cuantas hemos podido presenciar.
Absolutamente recomendable!

Título: ROBIN HOOD
Año: 2010
Origen: Estados Unidos / Inglaterra
Director: Ridley Scott
Principales Intérpretes: Russell Crowe, Cate Blanchett, Max Von Sydow, William Hurt y Mark Strong.
Duración: 140 minutos.
Calificación: 8 puntos.

Comentó: Javier Parente, para OXIDO.-